lunes, 21 de noviembre de 2016



El David es una obra maestra de la escultura renacentista creada entre 1501 y 1504 por Miguel Angel.

 Es una estatua de mármol de 5,17 metros (17,0 pies) de un desnudo masculino de pie. La estatua representa al héroe bíblico David, un tema favorecido en el arte de Florencia. Originalmente encargada como una de una serie de estatuas de profetas que se colocarían a lo largo de la línea de techo del extremo oriental de la Catedral de Florencia, la estatua fue colocada en cambio en una plaza pública, fuera del Palazzo della Signoria, la sede del gobierno cívico en Florencia. Fue desvelado el 8 de septiembre de 1504.

Debido a la naturaleza del héroe que representaba, la estatua pronto llegó a simbolizar la defensa de las libertades civiles encarnadas en la República de Florencia, una ciudad-estado independiente amenazada por todos lados por estados rivales más poderosos y por la hegemonía de la familia Medici . Los ojos de David, con una mirada de advertencia, se volvieron hacia Roma. [2] La estatua fue trasladada a la Galleria dell'Accademia, Florencia, en 1873, y más tarde sustituida en el lugar original por una réplica.

jueves, 17 de noviembre de 2016


Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (6 marzo de 1475 a 18 febrero de 1564) fue un escultor italiano, pintor, arquitecto, poeta e ingeniero del alto renacimiento que ejerció una influencia sin precedentes en el desarrollo de arte occidental. Considerado como el más grande artista durante su vida, desde entonces ha sido también descrito como uno de los más grandes artistas de todos los tiempos. A pesar de hacer pocas incursiones más allá del campo de las artes, su versatilidad en las disciplinas que asumió era de tan alto nivel que a menudo se le considera un competidor para el título del hombre arquetípico del Renacimiento, junto con su rival Leonardo da Vinci.

viernes, 23 de septiembre de 2016


El arte de los vikingos está organizado en una secuencia de fases estilísticas definidas, las cuáles a pesar de un solapamiento significativo en el estilo y la cronología, pueden ser definidos y distinguidos tanto por los elementos de diseño formales y de composición, como por los temas recurrentes:

jueves, 26 de mayo de 2016


El arte vikingo, también conocido comúnmente como el arte nórdico, es un término ampliamente aceptado para el arte de Escandinavia y los asentamientos vikingos más lejanos, particularmente en las Islas Británicas e Islandia - durante la época de los vikingos de los siglos 8 al 11 de la después de Cristos. El arte vikingo tiene muchos elementos de diseño en común con el arte celta, germánico, romanesco tardío y de Europa del Este, de tal forma que comparte muchas influencias con cada una de estas tradiciones.


Joyería de oro vikinga del siglo X

Contexto histórico del arte vikingo

Los vikingos eran originarios de Escandinavia, la península más septentrional de Europa continental, mientras que el término 'Vikingo' probablemente deriva de su propio término para incursiones costeras - la actividad por la cual muchas culturas vecinas se familiarizaron con los habitantes de la región. El nombre alternativo para el pueblo vikingo, los nórdicos o escandinavos ("hombres del norte"), refleja claramente su tierra natal del norte.

Los invasores vikingos atacaron los objetivos más ricos en las costas del noroeste de Europa desde finales del siglo VIII hasta mediados del siglo XI después de Cristo. Comerciantes pre-cristianos e incursores, los vikingos entran por primera vez en la historia registrada con su ataque a la comunidad monástica cristiana en la isla de Lindisfarne en 793.

Los vikingos emplearon inicialmente sus barcos largos, conocidos como drakkar,  para invadir y atacar las costas europeas, los puertos y los centros fluviales de manera estacional.

Posteriormente, las actividades de los vikingos se diversificaron para incluir viajes comerciales al este, oeste y sur de sus tierras de origen en Escandinavia, con viajes repetidos y regulares que seguían los sistemas fluviales al este en Rusia y las regiones del Mar Negro y el Mar Caspio, y al oeste de las costas de las Islas Británicas, Islandia y Groenlandia. Existe evidencia de que los vikingos llegaron a Terranova mucho antes de que los últimos viajes de Cristóbal Colón descubrieran el "Nuevo Mundo".

Las actividades comerciales y mercantiles fueron acompañados por el asentamiento y la colonización en muchos de estos territorios.

Desarrollo del arte de los vikingos

En términos generales, el conocimiento actual del arte vikingo se basa en gran medida en los objetos más duraderos de metal y piedra; madera, hueso, marfil y los textiles muy raramente están bien preservados; la piel humana, que las fuentes históricas indican que a menudo era tatuada elaboradamente, es poco probable que hayan sobrevivido hasta nuestros días. El registro artístico, por lo tanto, que ha sobrevivido hasta la actualidad, sigue siendo muy incompleto. Las excavaciones arqueológicas en curso y los hallazgos oportunistas, por supuesto, pueden mejorar esta situación en el futuro, al igual que lo han hecho en el pasado reciente.

Arte en piedra

Con la excepción de las imágenes de piedra encontradas en Suecia que prevalecieron a principios del período vikingo, la talla en piedra aparentemente no se practicaba en otros lugares en Escandinavia hasta mediados del siglo X y la creación de los monumentos reales en Jelling en Dinamarca. Posteriormente, y probablemente bajo la influencia de la expansión del cristianismo, el uso de la piedra tallada para monumentos permanentes se hizo más frecuente.

Madera y materiales orgánicos


La madera era, sin duda, el principal material de elección para los artistas vikingos, siendo relativamente fácil de tallar, barato y abundante en el norte de Europa. La importancia de la madera como medio artístico es subrayada por la supervivencia de diversas muestras de arte en madera de principios y finales del periodo vikingo, como por ejemplo el barco de Oseberg de principios del siglo IX (usado como sepultura de un personaje importante de los vikingos) y la decoración tallada en madera de la iglesia de Urnes de finales del siglo XI. De acuerdo a Graham-Campbell: "Estos vestigios notables nos permiten formar al menos una idea de lo que nos falta del arte vikingo original, aunque los fragmentos de madera y esculturas a pequeña escala en otros materiales (tales como cornamenta, ámbar y marfil de morsa) nos ha brindado más pistas. Lo mismo también es cierto, inevitablemente, para las artes textiles, aunque el tejido y el bordado eran claramente artesanías bien desarrolladas".

Metales

Broches de plata vikingos

Más allá de los registros de artefactos de madera y piedra descontinuados, la historia reconstruida del arte vikingo hasta la fecha se basa más en el estudio de la decoración con trabajos en metal ornamentales de una gran variedad de fuentes.  Varios tipos de contextos arqueológicos han sido descubiertos y estudiados exitosamente gracias a la preservación de objetos de metal para su presente análisis, dado que la durabilidad de los metales preciosos, en particular los metales preciosos, ha conservado mucho de la expresión artística y el trabajo invertido en los objetos.

La joyería fue usada por hombres y mujeres, aunque de diferentes tipos. Las mujeres casadas fijaban sus mejores vestidos cerca del hombro con pares de grandes broches. Los eruditos modernos a menudo los llaman "broches de tortuga" debido a su forma de domo. Las formas y estilos de los broches de las mujeres variaban de una región a otra, pero en muchos casos usaban calado. Las mujeres a menudo utilizaban cadenas de metal o collares de cuentas entre los broches, o adornos suspendidos desde el fondo de los broches. Los hombres usaban anillos en los dedos, los brazos y el cuello, y mantenían sus capas cerradas con broches, que  a menudo tenían pernos largos extravagantes. Sus armas a menudo estaban ricamente decoradas en áreas tales como las empuñaduras de las espadas. Los vikingos generalmente utilizaban joyería de plata o de bronce, este último material a veces dorado, pero se han encontrado un pequeño número de piezas o conjuntos lujosos en oro macizo, que probablemente pertenecían a la realeza u otros personajes importantes.

Una variedad de objetos metálicos decorados de uso diario con frecuencia se han recuperado de tumbas del periodo vikingo, debido a la extendida práctica de hacer entierros acompañados de ajuares. El fallecido era vestido con su mejor ropa y joyas, y era enterrado con sus armas, herramientas y artículos para el hogar. Menos comunes, pero significativos sin embargo, son los hallazgos de objetos de metales preciosos en forma de acumulaciones de tesoros, los cuáles en muchos casos fueron ocultados para su protección por los propietarios, quienes no pudieron recuperar su contenido, aunque algunos pueden haber sido depositados como ofrendas a los dioses.

Recientemente, debido a la creciente popularidad y uso de artefactos de detección de metales, se ha incrementado la frecuencia de los hallazgos fortuitos de objetos individuales de metal y adornos (muy probablemente estos objetos representan pérdidas accidentales), lo que a su vez ha ido aumentando la cantidad de nuevo material para su estudio.

Las monedas de los vikingos encajan bien en esta última categoría, sin embargo, forman una categoría separada de artefactos del periodo vikingo, dado que su diseño y decoración en gran medida son independientes de los estilos característicos del desarrollo de la actividad artística de los vikingos.

Otras fuentes de información sobre el arte vikingo

Una fuente no visual de información sobre el arte vikingo se encuentra en los versos escáldicos, la forma compleja de poesía oral compuesta durante la época de los vikingos y que era transmitida también de forma oral  hasta que fue transcrita siglos más tarde. Varios versos hablan de formas pintadas de decoración que rara vez han sobrevivido en madera y piedra. El poeta escaldo del siglo IX Bragi Boddason, por ejemplo, cita cuatro escenas aparentemente no relacionados pintadas en un escudo. Una de estas escenas representa la expedición de pesca del dios Thor, cuyo tema también se hace referencia en un poema del siglo 10 de Ulf Uggason, el cual describe las pinturas en un salón recién construido en Islandia.

Orígenes del arte vikingo


Una tradición artística continua común a la mayor parte de Europa noroccidental y que se desarrolló desde el siglo IV después de Cristo, formó las bases sobre las que el arte  y la decoración de los vikingos se construyeron: a partir de ese período en adelante, la mayoría de los artistas escandinavos se centró en gran medida en variedades complejas de ornamentación basada en animales que fue empleada para decorar una amplia variedad de objetos.

El historiador del arte Bernhard Salin fue el primero en sistematizar el ornamento germánico basado en animales, dividiéndolo en tres estilos (I, II y III). Los dos últimos fueron posteriormente subdivididos por Arwidsson en tres estilos más: el Estilo C, que floreció durante el siglo VII y en el siglo VIII, antes de ser reemplazado en gran medida (especialmente en el sur de Escandinavia) por el estilo Estilos D. Los estilos  C y D fueron la inspiración de la expresión inicial de la ornamentación basada en animales en la época de los vikingos, denominada como Estilo E, comúnmente conocido como el estilo Oseberg/ Broa. Los estilos D y E se desarrollaron dentro de un amplio contexto escandinavo, que, aunque estaba de acuerdo con la ornamentación basada en animales del noroeste de Europa a nivel general, exhibió poca influencia proveniente de más allá de los países escandinavos.

Estilos del arte vikingo

El arte de la época de los vikingos está organizado en una secuencia de fases estilísticas definidas (más información en el artículo: Estilos del Arte Vikingo), las cuáles a pesar de un solapamiento significativo en el estilo y la cronología, pueden ser definidos y distinguidos tanto por  los elementos de diseño formales y de composición, como por los temas recurrentes:
  • Estilo Oseberg
  • Estilo Borre
  • Estilo Jellinge
  • Estilo Mammen
  • Estilo Ringerike
  • Estilo Urnes
Como era de esperar, estas fases estilísticas aparecen en su forma más pura en la propia Escandinavia; en otras partes del mundo vikingo, adiciones notables de culturas e influencias externas aparecen con frecuencia. En las Islas Británicas, por ejemplo, los historiadores del arte identifican distintas versiones 'insulares' de temas escandinavos, a menudo directamente al lado de la decoración vikinga "pura".

miércoles, 20 de octubre de 2010

Biografía de Frida Kahlo

fotografía de Frida Kahlo

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, mejor conocida como Frida Kahlo; nació en Coyoacàn, Ciudad de México, el 6 de julio de 1907 y murió el 13 de julio de 1954 en Coyoacàn. A pesar de ello, Frida decía haber nacido en 1910, año del inició de la Revolución mexicana: “Nací con la Revolución”, porque quería que su vida comenzara con el México moderno.

Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. 

Orgullosa de su patria y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor. Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo, fotógrafo de origen germano-húngaro, de religión judía con su segunda esposa, la mexicana Matilde Calderón, de ascendencia española.

Fue una destacada pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

A los dieciocho años, Frida sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. 

Biografía Deborah Arango


Pintora expresionista colombiana. Nació en Medellín el 11 de noviembre de 1907 y murió en Envigado el 4 de diciembre de 2005; hija de Castor María Arango Díaz y de Elvira Pérez. Es la octava hija de una familia tradicional antioqueña de doce hermanos.

Estudió en el periodo de 1920 a 1960, artes plásticas y pintura en diferentes institutos de Medellín, en la Escuela Nacional de Bellas Artes en México y en el Technical College of Reading, en Londres.

Luego se desempeñó como profesora en el Palacio de Bellas Artes de Medellín, desde 1933, hasta 1935.

A lo largo de su vida recibió numerosas condecoraciones y reconocimientos en Colombia por su obra plástica.

ÙLTIMAS TENDENCIAS ARTÌSTICAS

Centroamérica está conformada por siete naciones, que presentan una serie de características comunes en los niveles histórico, político y social. Situado entre dos océanos: el Atlántico y el Pacífico; y en su costado oriental con el mar Caribe y las distintas islas que forman parte de su entorno geográfico y cultural.

Hasta hace poco se definía la región centroamericana como mestiza, católica e hispanohablante, sin considerar al Caribe, multiétnico, pluricultural y multilingüe, donde el español compite con el inglés, además de otros idiomas como el mayangna o el kekchi. Donde la población mestiza lo hace con los garífunas, los creoles y los miskitos y la religión católica con la protestante y la morava. Todo este mosaico étnico, lingüístico y cultural había quedado excluido por el discurso eurocentrista, y contribuía a ensanchar la brecha, Atlántico-Pacífico, que históricamente ha dividido las regiones del istmo.

Tienen en común la herencia de un rico pasado precolombino del que dan testimonio los monumentos mayas de Guatemala, El Salvador, Honduras y Belice; los petroglifos y la estatuaria de Nicaragua; el oro y el jade de Costa Rica, así como la abundante cerámica que define a las distintas regiones del istmo.

 

INTRODUCCIÒN


Centroamérica está conformada por siete naciones, que presentan una serie de características comunes en los niveles históricos, político y social.
Tienen en común la herencia de un rico pasado precolombino del que dan testimonio los monumentos mayas de Guatemala, El Salvador, Honduras y Belice; los petroglifos de Nicaragua; el oro y el jade de Costa Rica, así como la abundante cerámica que distingue a las distintas regiones del istmo. También unifica a estos países el legado colonial.
Desde 1898 hasta 1989, la región ha padecido constantes dictaduras, conflictos bélicos, militarización y desastres naturales, ( excepto Costa Rica, que en 1948 se abolió el ejército y desde entonces es un país democrático). Estas situaciones afectan en el plano cultural y vemos reflejada la violencia en las distintas formas del arte.

NICARAGUA

En las últimas dos décadas hay que ubicarlo, dentro de sus crisis históricas. En 1980 con el triunfo de la Revolución Sandinista (1979), se forma el Ministerio de Cultura y se crea un programa destinado al rescate y difusión del patrimonio cultural. A pesar de su situación política, floreció un desarrollo artístico multicultural y pluralista. La mujer adquiere especial importancia en este período; surgen las primeras instalaciones, el ensamblaje de objetos encontrados y la escultura con medios no convencionales.

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