tag:blogger.com,1999:blog-63287271130659784922024-03-13T13:23:01.305-07:00Historia del artercanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.comBlogger57125tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-2500582462176604522017-10-05T08:45:00.000-07:002017-10-05T10:00:22.832-07:00Cielo de la Capilla Sixtina de Miguel Angel<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-zn_1iPznHJ8/WdZPWzvzjWI/AAAAAAAAMs0/9e-LPB2dmG4ktbgzv-9asECCk1wVrgW2ACLcBGAs/s1600/diluvio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="255" data-original-width="220" src="https://3.bp.blogspot.com/-zn_1iPznHJ8/WdZPWzvzjWI/AAAAAAAAMs0/9e-LPB2dmG4ktbgzv-9asECCk1wVrgW2ACLcBGAs/s1600/diluvio.jpg" /></a></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel entre 1508 y 1512, es una obra fundamental del arte del Alto Renacimiento.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El techo es el de la Capilla Sixtina, la gran capilla papal construida en el Vaticano entre 1477 y 1480 por el Papa Sixto IV, por quien se nombra la capilla. Fue pintado como comisión del Papa Julio II. La capilla es el lugar para los cónclaves papales y muchos otros servicios importantes.</span><br />
<a name='more'></a><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-MFVQ8MoFnj8/Wb_thyVv0tI/AAAAAAAAMoE/UQ6zseXwhUIxVrERR1ljfokJkwbh8s58gCLcBGAs/s1600/cielo-capilla-sixtina.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="330" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-MFVQ8MoFnj8/Wb_thyVv0tI/AAAAAAAAMoE/UQ6zseXwhUIxVrERR1ljfokJkwbh8s58gCLcBGAs/s400/cielo-capilla-sixtina.jpg" width="270" /></a></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Los diversos elementos pintados del techo forman parte de un esquema más amplio de decoración dentro de la Capilla, que incluye el gran fresco <b>El Juicio Final</b> sobre la muralla del santuario, también de Miguel Ángel, pinturas murales de varios pintores importantes de finales del siglo XV incluyendo Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Pietro Perugino, y un conjunto de grandes tapices de Rafael, todo ello ilustrando gran parte de la doctrina de la Iglesia Católica.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El centro de la decoración del techo son nueve escenas del Libro del Génesis de las cuales la Creación de Adán es la más conocida, teniendo una posición icónica igualada sólo por la <b>Mona Lisa</b> de Leonardo da Vinci, las manos de Dios y Adán reproduciéndose en innumerables imitaciones. El complejo diseño incluye varios conjuntos de figuras individuales, tanto vestidas como desnudas, lo que permitió a Miguel Ángel demostrar plenamente su habilidad para crear una gran variedad de poses para la figura humana y que han proporcionado un libro de patrones enormemente influyente de modelos para otros artistas desde entonces. </span><br />
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Contenido</span></h3>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El tema manifiesto de la obra es la doctrina de la necesidad de salvación de la humanidad tal como es ofrecida por Dios a través de Jesús. Es una metáfora visual de la necesidad de la humanidad de un pacto con Dios. La Antigua Alianza de los Hijos de Israel a través de Moisés y la Nueva Alianza a través de Cristo ya había sido representada alrededor de los muros de la capilla. Algunos expertos, entre ellos Benjamin Blech y el historiador del arte vaticano Enrico Bruschini, también han notado temas menos evidentes, que ellos describen como "ocultos" y "prohibidos".</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-LIq7_FpSabs/WdZIeEBu0fI/AAAAAAAAMsE/BSfHUs5UjzExF32GnlMCk37WTZwBnDCpwCLcBGAs/s1600/mano-dios-adan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="145" data-original-width="220" src="https://1.bp.blogspot.com/-LIq7_FpSabs/WdZIeEBu0fI/AAAAAAAAMsE/BSfHUs5UjzExF32GnlMCk37WTZwBnDCpwCLcBGAs/s1600/mano-dios-adan.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La Creación de Adan<br />
<br /></td></tr>
</tbody></table>
<div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Los principales componentes del diseño son nueve escenas del <b>Libro del Génesis</b>, de las cuales cinco más pequeñas se encuentran enmarcadas y apoyadas por cuatro jóvenes desnudos o Ignudi. En cada extremo, y debajo de las escenas están las figuras de doce hombres y mujeres que profetizaron el nacimiento de Jesús. En las áreas en forma de media luna, o lunetas, encima de cada una de las ventanas de la capilla hay tablas que enumeran a los Antepasados de Cristo y las figuras que lo acompañan. Sobre ellas, en las enjutas triangulares, se muestran otros ocho grupos de figuras, pero éstas no han sido identificadas como caracteres bíblicos específicos. El esquema se completa con cuatro grandes pendientes en las esquinas, cada una de los cuales ilustra una historia bíblica dramática.
</span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-gxBi2Z-r3g8/WdZJ2a53jWI/AAAAAAAAMsQ/Ab8BP7g9F68TDKbR7DFdSDPBuJ9l7x2pACLcBGAs/s1600/cielo-capilla-sixtina.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="234" data-original-width="650" height="230" src="https://3.bp.blogspot.com/-gxBi2Z-r3g8/WdZJ2a53jWI/AAAAAAAAMsQ/Ab8BP7g9F68TDKbR7DFdSDPBuJ9l7x2pACLcBGAs/s640/cielo-capilla-sixtina.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cielo de la Capilla Sixtina</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Los elementos narrativos del techo ilustran que Dios hizo al mundo como una creación perfecta y puso a la humanidad en ella, que la humanidad cayó en la desgracia y fue castigada con la muerte y con la separación de Dios. La humanidad luego se hundió más en el pecado y la deshonra, y fue castigada por el <b>Gran Diluvio</b>. A través de un linaje de Antepasados - de Abraham a José - Dios envió al salvador de la humanidad, Cristo Jesús. La venida del Salvador fue profetizada por los Profetas de Israel y Sibilas del mundo Clásico. Los diversos componentes del techo están vinculados a esta doctrina cristiana. Tradicionalmente, el Antiguo Testamento era percibido como una prefiguración del Nuevo Testamento. Muchos incidentes y personajes del Antiguo Testamento se entendían comúnmente como teniendo un vínculo simbólico directo con algún aspecto particular de la vida de Jesús o con un elemento importante de la doctrina cristiana o con un sacramento como el Bautismo o la Eucaristía.
</span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-bzzMlhKdBqE/WdZLEYvChkI/AAAAAAAAMsc/K6qmdko_4AMdm5qdMjAIkPtp5buBDMXYACLcBGAs/s1600/Dios%2Bdividiendo%2Bel%2Bagua%2Bde%2Blos%2Bcielos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="793" height="241" src="https://2.bp.blogspot.com/-bzzMlhKdBqE/WdZLEYvChkI/AAAAAAAAMsc/K6qmdko_4AMdm5qdMjAIkPtp5buBDMXYACLcBGAs/s320/Dios%2Bdividiendo%2Bel%2Bagua%2Bde%2Blos%2Bcielos.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Dios dividiendo el agua de los cielos<br />
<br /></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Mientras que gran parte del simbolismo del techo data de la iglesia primitiva, el techo también tiene elementos que expresan el pensamiento específicamente renacentista que buscaba reconciliar la teología cristiana con la filosofía del humanismo renacentista. Durante el siglo XV en Italia, y en Florencia en particular, hubo un gran interés en la literatura clásica y las filosofías de Platón, Sócrates y otros escritores clásicos. Miguel Angel, cuando era joven, había pasado tiempo en la academia humanista establecida por la familia Medici en Florencia. Estaba familiarizado con las primeras obras escultóricas de inspiración humanista, como el <b>David de bronce de Donatello</b>, y procedió a responder de la misma forma al tallar la enorme escultura en mármol del David que se colocó en la plaza cerca del Palazzo Vecchio, sede del consejo de Florencia. La visión humanista de la humanidad era aquella en que la gente respondía a otras personas, a la responsabilidad social y a Dios de una manera directa, no a través de intermediarios, como la Iglesia. Esto estaba en conflicto con el énfasis de la Iglesia. Mientras que la Iglesia enfatizaba que la humanidad era esencialmente pecaminosa y defectuosa, el humanismo hizo hincapié en la humanidad como potencialmente noble y bella. Estas dos visiones no eran necesariamente irreconciliables para la Iglesia, pero solo a través del reconocimiento de que la única manera de lograr esta elevación del "espíritu, mente y cuerpo" era a través de la Iglesia como agente de Dios. Estar fuera de la Iglesia era estar más allá de la Salvación. En el techo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel presentó elementos católicos y humanistas de una manera que no parece visualmente conflictiva. La inclusión de figuras "no bíblicas" como las Sibilas o Ignudi es consistente con la racionalización del pensamiento humanista y cristiano del Renacimiento. Esta racionalización se convertiría en un objetivo de la Contrarreforma.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-NhHsOP_x5Rk/WdZNizzliUI/AAAAAAAAMso/jj3Wc9MiKaEQnGNNc84QpPW6jSzhLEgKACLcBGAs/s1600/cara-dios.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="427" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-NhHsOP_x5Rk/WdZNizzliUI/AAAAAAAAMso/jj3Wc9MiKaEQnGNNc84QpPW6jSzhLEgKACLcBGAs/s320/cara-dios.jpg" width="228" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Detalle de la cara de Dios</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La iconografía del techo ha tenido varias interpretaciones en el pasado, algunos elementos de las cuales han sido contradichos por la erudición moderna. Otros, como la identidad de las figuras en las lunetas y enjutas, siguen desafiando la interpretación. Los eruditos modernos han buscado, aún sin éxito, determinar una fuente escrita del programa teológico del techo y han cuestionado si fue o no totalmente ideado por el propio artista, que era a la vez un ávido lector de la Biblia y un genio. También interesa a algunos estudiosos modernos la cuestión de cómo el propio estado espiritual y psicológico de Miguel Ángel se refleja en la iconografía y en la expresión del techo. Una de esas especulaciones es que Miguel Ángel estaba atormentado por el conflicto entre sus deseos homosexuales y sus creencias cristianas apasionadas.</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-zn_1iPznHJ8/WdZPWzvzjWI/AAAAAAAAMs0/uLCqpGJIH6AaChmXNhVg3IJorLNvC39swCEwYBhgL/s1600/diluvio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="255" data-original-width="220" src="https://3.bp.blogspot.com/-zn_1iPznHJ8/WdZPWzvzjWI/AAAAAAAAMs0/uLCqpGJIH6AaChmXNhVg3IJorLNvC39swCEwYBhgL/s1600/diluvio.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Detalle del Gran Diluvio</td></tr>
</tbody></table>
</div>
</div>
<h3 style="text-align: left;">
Análisis estilístico y legado artístico</h3>
<div style="text-align: left;">
Miguel Ángel fue el heredero artístico de los grandes escultores y pintores del siglo XV de Florencia. Aprendió su oficio bajo la dirección de un magistral pintor de frescos, Domenico Ghirlandaio, conocido por dos grandes ciclos de frescos en la Capilla de Sassetti y la Capilla de Tornabuoni, y por su contribución al ciclo de pinturas en las paredes de la Capilla Sixtina. Como estudiante, Miguel Ángel estudió y aprendió de los trabajos de los dos pintores florentinos más renombrados del Renacimiento temprano, Giotto y Masaccio. Las figuras de Masaccio de Adán y Eva expulsados del Jardín del Edén tuvieron un profundo efecto en la representación del desnudo en general y, en particular, en el uso de la figura desnuda para transmitir la emoción humana. Helen Gardner dice que en las manos de Miguel Ángel "el cuerpo es simplemente la manifestación del alma, o de un estado de ánimo y carácter".<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-YVV4ccZvi1o/WdZQnBmOfQI/AAAAAAAAMtA/e_4dZI1EUNEcIPus-Pugc4EQg-XMOLVFwCLcBGAs/s1600/800px-Last_Judgement_%2528Michelangelo%2529_-_Jonah_and_Jesus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1270" data-original-width="800" height="640" src="https://1.bp.blogspot.com/-YVV4ccZvi1o/WdZQnBmOfQI/AAAAAAAAMtA/e_4dZI1EUNEcIPus-Pugc4EQg-XMOLVFwCLcBGAs/s640/800px-Last_Judgement_%2528Michelangelo%2529_-_Jonah_and_Jesus.jpg" width="402" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jonás y Jesús</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Miguel Ángel también fue influenciado casi ciertamente por las pinturas de Luca Signorelli, cuyas obras, particularmente el Ciclo de la Muerte y la Resurrección en la catedral de Orvieto contienen un gran número de desnudos y de composiciones figurativas inventivas. En Bolonia, Miguel Ángel vio las esculturas de relieve de Jacopo della Quercia alrededor de las puertas de la catedral. En la representación de Miguel Ángel de la Creación de Eva toda la composición, la forma de las figuras y el concepto relativamente conservador de la relación entre Eva y su Creador se adhiere estrechamente al diseño de Jacopo. Otros paneles en el techo, especialmente la icónica Creación de Adam, muestran una invención sin precedentes".
</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-dFRYVrVYtC4/WdZSV4QjkWI/AAAAAAAAMtM/x4hqymjR398Xrd3kSpma3UCHD6AAk_7IgCLcBGAs/s1600/capilla-sixtina-miguelangel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="797" data-original-width="800" height="397" src="https://1.bp.blogspot.com/-dFRYVrVYtC4/WdZSV4QjkWI/AAAAAAAAMtM/x4hqymjR398Xrd3kSpma3UCHD6AAk_7IgCLcBGAs/s400/capilla-sixtina-miguelangel.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El techo de la Capilla Sixtina iba a tener un profundo efecto sobre otros artistas, incluso antes de que se completara. Vasari, en su Vida de Rafael, nos dice que Bramante, que tenía las llaves de la capilla, dejó que Rafael examinara las pinturas en ausencia de Miguel Ángel. Al ver a los profetas de Miguel Ángel, Rafael volvió a su pintura de la imagen del profeta Isaías que estaba pintando en una columna de la iglesia de Sant'Agostino y, según Vasari, aunque ya estaba terminada, la raspó de la pared y la repintó en una forma mucho más poderosa, a imitación de Miguel Ángel. John O'Malley señala que incluso antes de Isaías está la inclusión de Rafael de la figura de Heráclito en la <b>Escuela de Atenas</b>, una figura parecida al Jeremías de Miguel Ángel, pero con el semblante de Miguel Ángel y apoyándose en un bloque de mármol.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-q33aSvRLF5c/WdZiGWKtaGI/AAAAAAAAMtc/MoQNpPHEN1Ylq0xr3FDodRsFQPD3CNBtACLcBGAs/s1600/profeta-joel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="955" data-original-width="800" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-q33aSvRLF5c/WdZiGWKtaGI/AAAAAAAAMtc/MoQNpPHEN1Ylq0xr3FDodRsFQPD3CNBtACLcBGAs/s320/profeta-joel.jpg" width="268" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Profeta Joel</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
</div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Apenas hay un elemento de diseño en el techo de la Capilla Sixtina que no fuese imitado posteriormente: la arquitectura ficticia, la anatomía muscular, el escorzo, el movimiento dinámico, la coloración luminosa, las expresiones inquietantes de las figuras en las lunetas, la abundancia de putti. Gabriele Bartz y Eberhard König han dicho de los Ignudi: "No hay imagen que haya tenido un efecto más duradero sobre las generaciones siguientes que estas." De ahí en adelante figuras similares se utilizaron en innumerables obras decorativas, ya sea pintadas, formadas en estuco o incluso esculpidas."
</span><br />
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-DeiKvOoATxw/WdZjcgONWQI/AAAAAAAAMto/koRJa5kcm0oEn64fVnsVt0I8ZJsVr3fIACLcBGAs/s1600/sibila-persa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="333" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-DeiKvOoATxw/WdZjcgONWQI/AAAAAAAAMto/koRJa5kcm0oEn64fVnsVt0I8ZJsVr3fIACLcBGAs/s320/sibila-persa.jpg" width="266" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La Sibila Persa</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Dentro de la obra de Miguel Ángel, el techo de la capilla condujo a la pintura más tardía y más manierista del Juicio Final, en la que las aglomeradas composiciones dieron rienda suelta a su inventiva en la pintura de figuras contorsionadas y escoradas que expresan desesperación o júbilo. Entre los artistas en cuya obra se puede ver la influencia directa de Miguel Ángel están Pontormo, Andrea del Sarto, Correggio, Tintoretto, Annibale Carracci, Paolo Veronese y El Greco. </span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-aoaJSzf11Hk/WdZlCPm6CBI/AAAAAAAAMt0/OnDZcD9NBmsJGbbWsMK-ps5pOq0ZGEdfQCLcBGAs/s1600/luneta-jacob-jose.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="169" data-original-width="300" src="https://2.bp.blogspot.com/-aoaJSzf11Hk/WdZlCPm6CBI/AAAAAAAAMt0/OnDZcD9NBmsJGbbWsMK-ps5pOq0ZGEdfQCLcBGAs/s1600/luneta-jacob-jose.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Luneta de Jacob y Jose</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">En enero de 2007, se afirmó que hasta 10.000 visitantes pasaron por los Museos Vaticanos en un día y que el techo de la Capilla Sixtina es el mayor atractivo. El Vaticano, preocupado por la posibilidad de que los frescos recién restaurados sufran daños, anunció planes para reducir las horas de visita y aumentar el precio en un intento de desalentar a los visitantes. </span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Quinientos años antes, Vasari dijo: "Todo el mundo vino corriendo cuando se descubrió la bóveda, y la vista de ella fue suficiente para reducirlos a un silencio atónito".</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
</div>
<hr />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
</div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">https://en.wikipedia.org/wiki/Sistine_Chapel_ceiling </span></div>
rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-29240446980000859552016-11-21T08:27:00.000-08:002016-11-21T08:27:22.305-08:00El David de Miguel Angel<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-KkHEXh4Hqq0/WDMZBAciZRI/AAAAAAAAK9A/YrZW04LjmeEdSm97Jx_OJJvsKPi59xkdACLcB/s1600/%2527David-Michelangelo.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-KkHEXh4Hqq0/WDMZBAciZRI/AAAAAAAAK9A/YrZW04LjmeEdSm97Jx_OJJvsKPi59xkdACLcB/s320/%2527David-Michelangelo.JPG" width="213" /></a></div>
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El <b>David</b> es una obra maestra de la escultura renacentista creada entre 1501 y 1504 por <a href="http://desarrollodelarte.blogspot.com/2016/11/obra-de-miguel-angel-buonarroti.html" target="_blank">Miguel Angel</a>.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> Es una estatua de mármol de 5,17 metros (17,0 pies) de un desnudo masculino de pie. La estatua representa al héroe bíblico David, un tema favorecido en el arte de Florencia. Originalmente encargada como una de una serie de estatuas de profetas que se colocarían a lo largo de la línea de techo del extremo oriental de la Catedral de Florencia, la estatua fue colocada en cambio en una plaza pública, fuera del Palazzo della Signoria, la sede del gobierno cívico en Florencia. Fue desvelado el 8 de septiembre de 1504.</span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Debido a la naturaleza del héroe que representaba, la estatua pronto llegó a simbolizar la defensa de las libertades civiles encarnadas en la República de Florencia, una ciudad-estado independiente amenazada por todos lados por estados rivales más poderosos y por la hegemonía de la familia Medici . Los ojos de David, con una mirada de advertencia, se volvieron hacia Roma. [2] La estatua fue trasladada a la Galleria dell'Accademia, Florencia, en 1873, y más tarde sustituida en el lugar original por una réplica.</span><br />
<a name='more'></a><h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Interpretación del David</span></span></h3>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-raqxFp8IFTk/WDMb89D6qlI/AAAAAAAAK9M/1_N6Lk_5Vqk5p9QuAT3QGk0YZ7KQPUalgCLcB/s1600/David-mirada-miguelangel.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-raqxFp8IFTk/WDMb89D6qlI/AAAAAAAAK9M/1_N6Lk_5Vqk5p9QuAT3QGk0YZ7KQPUalgCLcB/s1600/David-mirada-miguelangel.png" /></a></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La postura del David de Miguel Ángel es diferente a la de las representaciones renacentistas anteriores de David. Las estatuas de bronce de Donatello y Verrocchio representaban al héroe victorioso sobre la cabeza de Goliat, y el pintor Andrea del Castagno había mostrado al muchacho a mitad del golpe, incluso mientras la cabeza de Goliat descansaba entre sus pies, pero ningún artista florentino anterior había omitido al gigante por completo. Según Helen Gardner y otros eruditos, David es representado antes de su batalla con Goliat. En lugar de mostrarse victorioso sobre un enemigo mucho más grande que él, David parece tenso y listo para el combate.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La estatua parece mostrar a David después de haber tomado la decisión de luchar contra Goliat, pero antes de que la batalla haya tenido lugar, un momento entre la elección consciente y la acción. Su frente se dibuja, su cuello se muestra tenso y las venas se abomban desde su mano derecha baja. El giro de su cuerpo efectivamente transmite al espectador la sensación de que está en movimiento, una impresión aumentada con el contrapposto. La estatua es una interpretación renacentista de un tema común antiguo de Grecia que consistía en el héroe masculino desnudo y de pie. En el Alto Renacimiento, las posturas de contrapposto fueron consideradas como un rasgo distintivo de la escultura antigua. Esto está tipificado en el David, ya que la figura se mantiene con una pierna que sostiene su peso completo y la otra pierna hacia delante. Esta postura clásica hace que las caderas y los hombros de la figura descansen en ángulos opuestos, dando una ligera curva en forma de S a todo el torso. El contrapposto es acentuado por el giro de la cabeza hacia la izquierda, y por las posiciones contrastantes de los brazos.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El David de Miguel Ángel se ha convertido en una de las obras más reconocidas de la escultura renacentista, un símbolo de la fuerza y la belleza juvenil.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Sólo el colosal tamaño de la estatua impresionó a los contemporáneos de Miguel Ángel. Vasari la describió como "ciertamente un milagro de Miguel Ángel, el restaurar a la vida a uno que estaba muerto", y luego enumeró todas las estatuas más impresionantes y más grandiosas que había visto, concluyendo que la obra de Miguel Ángel superó "a todas las estatuas antiguas y modernas, ya sean griegas o latinas, que hayan existido".</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-HivQarx7Lic/WDMfD4KQLWI/AAAAAAAAK9Y/H_6ulVOlIVAq4ffMBWTXQeMNtbZpKyJkgCLcB/s1600/David-otro-angulo.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-HivQarx7Lic/WDMfD4KQLWI/AAAAAAAAK9Y/H_6ulVOlIVAq4ffMBWTXQeMNtbZpKyJkgCLcB/s320/David-otro-angulo.JPG" width="214" /></a></div>
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<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Las proporciones del David son atípicas de la obra de Miguel Ángel; La figura tiene una cabeza y manos anormalmente grandes (particularmente aparente en la mano derecha). El pequeño tamaño de los genitales, sin embargo, está en línea con sus otras obras y con las convenciones renacentistas en general, tal vez haciendo referencia al antiguo ideal griego de la desnudez masculina pre-púber. Estas ampliaciones pueden deberse al hecho de que la estatua estaba originalmente destinada a ser colocada en la línea del techo de la catedral, donde las partes importantes de la escultura pueden haber sido acentuadas para ser visibles desde abajo. La estatua es excepcionalmente esbelta (del frente a la espalda) en comparación con su altura, lo que puede ser el resultado del trabajo realizado en el bloque antes de que Miguel Ángel comenzara a tallarlo.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Es posible que el David fue concebido como una estatua política antes de que Miguel Ángel comenzara a trabajar en ella. Ciertamente, David, el asesino de gigantes, había sido visto durante mucho tiempo como una figura política en Florencia, y las imágenes del héroe bíblico ya tenían implicaciones políticas en esa ciudad. El David de bronce de Donatello, hecho para la familia Medici, tal vez en el año 1440, había sido apropiada por la Signoria en 1494, cuando los Medici fueron exiliados de Florencia, y la estatua fue instalada en el patio del Palazzo della Signoria, donde representaba el gobierno republicano de la ciudad. Al colocar la estatua de Miguel Ángel en el mismo lugar general, las autoridades florentinas aseguraron que el David sería visto como un paralelo político, así como una respuesta artística a ese trabajo anterior. Estos matices políticos condujeron a que la estatua fuera atacada dos veces en sus primeros días. Los manifestantes la golpearon con piedras el año en que debutó y, en 1527, un motín anti-Medici dio como resultado que su brazo izquierdo se rompiera en tres pedazos. </span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Los comentaristas han notado la presencia en el pene de David de su prepucio, que está en desacuerdo con la práctica judaica de la circuncisión, pero es consistente con las convenciones del arte renacentista. </span><br />
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Conservación<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> de la obra</span></span></h3>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">Durante la Segunda Guerra Mundial, David fue sepultado en ladrillo para protegerlo del daño de las bombas aerotransportadas. </span><br />
<br />
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">En 1991 el pie de la estatua fue dañado por un hombre con un martillo. Las muestras obtenidas de ese incidente permitieron a los científicos determinar que el mármol utilizado fue obtenido de las canteras Fantiscritti en Miseglia, el central de tres pequeños valles en Carrara. El mármol en cuestión contiene muchos agujeros microscópicos que hacen que se deteriore más rápido que otros mármoles. Debido a la degradación del mármol, de 2003 a 2004 la estatua fue sometida a su primera limpieza principal desde 1843. Algunos expertos se opusieron al uso del agua para limpiar la estatua, temiendo un mayor deterioro. Bajo la dirección de Franca Falleti, los altos restauradores Monica Eichmann y Cinzia Parnigoni emprendieron el trabajo de restaurar la estatua.
</span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> </span></span> </span><br />
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rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-5530268767682543742016-11-17T15:00:00.002-08:002016-11-17T15:02:02.914-08:00Obra de Miguel Angel Buonarroti <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-T1RNVme7h70/V-VcjgPEnmI/AAAAAAAAKuA/teadOZE3xIItepEuMSVjjIxZB4XMytxggCLcB/s1600/miguel-angel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="239" src="https://3.bp.blogspot.com/-T1RNVme7h70/V-VcjgPEnmI/AAAAAAAAKuA/teadOZE3xIItepEuMSVjjIxZB4XMytxggCLcB/s320/miguel-angel.jpg" width="320" /></span></a></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni</b> (6 marzo de 1475 a 18 febrero de 1564) fue un escultor italiano, pintor, arquitecto, poeta e ingeniero del alto renacimiento que ejerció una influencia sin precedentes en el desarrollo de arte occidental. Considerado como el más grande artista durante su vida, desde entonces ha sido también descrito como uno de los más grandes artistas de todos los tiempos. A pesar de hacer pocas incursiones más allá del campo de las artes, su versatilidad en las disciplinas que asumió era de tan alto nivel que a menudo se le considera un competidor para el título del hombre arquetípico del Renacimiento, junto con su rival <b>Leonardo da Vinci</b>.</span><br />
<a name='more'></a><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Una serie de obras de Miguel Ángel de pintura, escultura y arquitectura se encuentran entre las más famosas en existencia. Su producción en todos los campos de su interés fue prodigiosa; dado el gran volumen de correspondencia que ha sobrevivido junto con bocetos y reminiscencias tomadas en cuenta, puede decirse con seguridad que es el artista mejor documentado del siglo 16.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Esculpió dos de sus obras más conocidas, la <b>Piedad</b> y <b>David</b>, antes de la edad de treinta años. A pesar de tener una baja opinión de la pintura, Miguel Ángel también creó dos de los frescos más influyentes en la historia del arte occidental: las escenas del Génesis en el techo de la<b> Capilla Sixtina</b> en Roma, y el <b>Juicio Final</b> sobre su pared del altar. Como arquitecto, Miguel Ángel fue pionero en el estilo manierista en la<b> Biblioteca Laurentina</b>. A la edad de 74 años, sucedió a Antonio da Sangallo el Joven como el arquitecto de la <b>basílica de San Pedro</b>. Michelangelo transformó el plan de manera que el extremo occidental se terminó de acuerdo a su diseño, al igual que la cúpula, con algunas modificaciones, después de su muerte.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Miguel Ángel fue el primer artista occidental cuya biografía se publicó mientras estaba vivo. De hecho, dos biografías fueron publicadas durante su vida; una de ellas, escrita por Giorgio Vasari, propuso que él era pináculo de todos los logros artísticos desde el comienzo del Renacimiento, un punto de vista que fue compartido por muchos en la historia del arte durante los siglos venideros.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"> En vida se le llamaba a menudo <b>Il Divino</b> ("el divino"). Una de las cualidades más admiradas por sus contemporáneos era su <i>terribilità</i>, una sensación de grandeza imponente. Los intentos de los artistas posteriores de imitar el estilo apasionado y muy personal de Miguel Ángel resultó en el Manierismo, el siguiente movimiento importante en el arte occidental después del alto renacimiento.</span><br />
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
Trabajos de Miguel Angel </span></h3>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ENP7nMLDZr0/WC4F4xEcnvI/AAAAAAAAK6k/IdN5Gt9Dm0EUAWJMefzXVGHWGIJyQLtiQCLcB/s1600/David-miguelangel.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-ENP7nMLDZr0/WC4F4xEcnvI/AAAAAAAAK6k/IdN5Gt9Dm0EUAWJMefzXVGHWGIJyQLtiQCLcB/s320/David-miguelangel.JPG" width="213" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">David</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<h3 style="text-align: center;">
</h3>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
La Virgen y el niño Jesús </span></h3>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La <b>Virgen de la escalera</b> es el trabajo más antiguo conocido de Miguel Ángel. Está tallada en bajorrelieve, una técnica frecuentemente empleada por el maestro escultor de principios del siglo 15, <b>Donatello</b>, y otros, como <b>Desiderio da Settignano</b>. Mientras que la Virgen está de perfil, el aspecto más fácil para un relieve poco profundo, el niño muestra un movimiento giratoio que se convertiría en un elemento característico de la obra de Miguel Ángel.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El <b>Tondo Taddei </b>de 1502 muestra a Cristo niño asustado por un jilguero, un símbolo de la crucifixión. La forma animada del niño más tarde fue adaptada por Rafael en la <b>Madonna Bridgewater</b>. La <b>Madonna de Brujas </b>era, en el momento de su creación, diferente de otras estatuas que representan a la Virgen presentanando con orgullo su hijo. Aquí, el niño Jesus, agarrado y contenido por el brazo de su madre, está a punto de salir al mundo. El <b>Doni </b><b><b>Tondo</b>,</b> que representa a la Sagrada Familia, tiene elementos de los tres trabajos anteriores: el friso de figuras en el fondo tiene el aspecto de un bajo relieve, mientras que la forma circular y formas dinámicas se hacen eco del <b>Tondo Taddei</b>. El movimiento de torsión presente en la Madonna de Brujas se acentúa en la pintura. La pintura anuncia las formas, el movimiento y el color que Miguel Ángel habría de emplear en el techo de la Capilla Sixtina.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-cTZ1_m_XxAs/WCy55jppXxI/AAAAAAAAK5U/pxG4qCnQCngzEYmGWQkp6W8t5xUtCqtjACLcB/s1600/Madonna-pasos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-cTZ1_m_XxAs/WCy55jppXxI/AAAAAAAAK5U/pxG4qCnQCngzEYmGWQkp6W8t5xUtCqtjACLcB/s320/Madonna-pasos.jpg" width="225" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Virgen de la escalera</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-4dU7pprUAaU/WCy8K-FzDXI/AAAAAAAAK5g/YpEHezT0njgx07OV-aNox93D42tAwfLtACLcB/s1600/Taddei-Tondo.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-4dU7pprUAaU/WCy8K-FzDXI/AAAAAAAAK5g/YpEHezT0njgx07OV-aNox93D42tAwfLtACLcB/s320/Taddei-Tondo.JPG" width="320" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El Tondo Tadei</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-coxl4hMURr4/WCy8U2rx1JI/AAAAAAAAK5k/Z0iR0P9vgcIVc0y5-1wW9YvlHVptJhbPQCLcB/s1600/virgen-brujas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-coxl4hMURr4/WCy8U2rx1JI/AAAAAAAAK5k/Z0iR0P9vgcIVc0y5-1wW9YvlHVptJhbPQCLcB/s320/virgen-brujas.jpg" width="193" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La Maddona de Brujas</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-gdhUSD9Rp4k/WCy8mRQeWHI/AAAAAAAAK5o/J47I-5zxnyEWCKJk90Co9iBLBQHE3oCWACLcB/s1600/miguel-angel-tondo-doni.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-gdhUSD9Rp4k/WCy8mRQeWHI/AAAAAAAAK5o/J47I-5zxnyEWCKJk90Co9iBLBQHE3oCWACLcB/s320/miguel-angel-tondo-doni.jpg" width="318" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El Tondo Doni</span></td></tr>
</tbody></table>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
La figura masculina en el arte de Miguel Angel</span></h3>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El ángel arrodillado es un trabajo temprano, uno de los varios que Miguel Ángel creó como parte de un gran esquema decorativo para el <b>Arca di San Domenico</b> en la iglesia dedicada a ese santo en Bolonia. Varios otros artistas habían trabajado en el esquema, comenzando con Nicola Pisano en el siglo décimotercero. A finales del siglo XV, el proyecto fue gestionado por Niccolò dell'Arca. Un ángel sosteniendo un candelabro, por Niccolò, ya estaba en su lugar.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">A pesar de que los dos ángeles forman un par, hay un gran contraste entre las dos obras, la que representa a un niño delicado con el pelo flotante vestido con túnicas góticas con pliegues profundos, y la obra de Miguel Ángel que representa un joven robusto y musculoso con alas de águila, vestido en una prenda de estilo clásico. Todo acerca del ángel de Miguel Ángel es dinámico. El <b>Baco</b> de Miguel Ángel era una comisión con un tema específico, el joven Dios del Vino. La escultura tiene todos los atributos tradicionales, una guirnalda de vid, una copa de vino y un cervatillo, pero Miguel Ángel añadió un aire de realidad en el sujeto, representándolo con los ojos turbios, una vejiga hinchada y una postura que sugiere que se encuentra inestable. Si bien el trabajo está claramente inspirado en la escultura clásica, es innovador por su movimiento rotatorio y su fuerte calidad tridimensional, lo que anima al espectador a mirarlo desde todos los ángulos</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">En el llamado <b>Esclavo Moribundo</b>, Miguel Ángel ha vuelto a utilizar la figura con marcado contraposto para sugerir un estado humano particular, en este caso el despertar del sueño. Con el <b>Esclavo Rebelde</b>, es una de las dos primeras figuras de la <b>Tumba del Papa Julio II</b>, ahora en el Louvre, que el escultor llevó a un estado casi terminado. Estas dos obras tuvieron una profunda influencia en la escultura posterior, a través de Rodin que las estudió en el Louvre.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El <b>esclavo Atlante </b>es una de las figuras posteriores para la tumba del papa Julio. Las obras, conocidas colectivamente como <b>Los Cautivos</b>, muestran cada una la figura luchando por liberarse, como si se estuvieran liberando de los lazos de la roca en que están alojadas. Las obras dan una visión única de los métodos escultóricos que empleó Miguel Ángel y su manera de revelar lo que percibió dentro de la roca.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-fHW7CAa-090/WC4ERYdx7AI/AAAAAAAAK6U/A0fhAf2r-bU9zWKYvRFwhNorol5dNbdNACLcB/s1600/Angel-miguelangel.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-fHW7CAa-090/WC4ERYdx7AI/AAAAAAAAK6U/A0fhAf2r-bU9zWKYvRFwhNorol5dNbdNACLcB/s320/Angel-miguelangel.JPG" width="239" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Angel</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-Ss-h8uHFtjw/WC4EqJS8CQI/AAAAAAAAK6Y/Zi1PZDZP6tc0NBkkkb0LwgRwEmmAxYxyACLcB/s1600/Baco-miguelangel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-Ss-h8uHFtjw/WC4EqJS8CQI/AAAAAAAAK6Y/Zi1PZDZP6tc0NBkkkb0LwgRwEmmAxYxyACLcB/s320/Baco-miguelangel.jpg" width="184" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Baco</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-MCfmA3ip5TI/WC4FKYjpshI/AAAAAAAAK6c/hazdmKVHwcg_cypTiVk1nlYkgIZLszVTQCLcB/s1600/esclavo-moribundo-miguel-angel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-MCfmA3ip5TI/WC4FKYjpshI/AAAAAAAAK6c/hazdmKVHwcg_cypTiVk1nlYkgIZLszVTQCLcB/s320/esclavo-moribundo-miguel-angel.jpg" width="128" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Esclavo Moribundo</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-EuPv0JAZBkk/WC4FgG49ocI/AAAAAAAAK6g/o8Kexg0k_V44ZguHQruLJ6tfPXlK_ULVQCLcB/s1600/Michelangelo-esclavo-atlante.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-EuPv0JAZBkk/WC4FgG49ocI/AAAAAAAAK6g/o8Kexg0k_V44ZguHQruLJ6tfPXlK_ULVQCLcB/s320/Michelangelo-esclavo-atlante.jpg" width="164" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Esclavo Atlante</span></td></tr>
</tbody></table>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
La Capilla Sixtina</span></h3>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El techo de la Capilla Sixtina fue pintado por Miguel Angel entre 1508 y 1512. El techo es una bóveda de barril aplanada apoyada sobre doce pendulares triangulares que se levantan entre las ventanas de la capilla. La comisión, tal como había sido concebida por el papa Julio II, consistía en adornar el techo con figuras de los doce apóstoles. Miguel Ángel, que se mostró reacio a aceptar el trabajo, persuadió al Papa para que le diera carta libre en la composición. El esquema de decoración resultante impresionó a sus contemporáneos y ha inspirado a otros artistas desde entonces. El esquema es de nueve paneles que ilustran episodios del Libro de Génesis, situado en un marco arquitectónico. En las pechinas, Michelangelo sustituye los Apóstoles propuestos por el Papa con Profetas y Sibilas que anunciaban la llegada del Mesías. </span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-9395CztCe1U/WC4HeQQTTkI/AAAAAAAAK6w/JyVfDHmKJmI5xouOyqnmvQmqhdKFY7ihgCLcB/s1600/cielo-capilla-sixtina.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="230" src="https://1.bp.blogspot.com/-9395CztCe1U/WC4HeQQTTkI/AAAAAAAAK6w/JyVfDHmKJmI5xouOyqnmvQmqhdKFY7ihgCLcB/s640/cielo-capilla-sixtina.jpg" width="640" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Cielo de la Capilla Sixtina</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Miguel Ángel comenzó a pintar con los episodios posteriores de la narración, y los cuadros incluían detalles de localización y grupos de figuras, siendo la <b>Embriaguez de Noé</b> el primero de este grupo. En las composiciones posteriores, pintadas después de que los andamios iniciales hubieran sido removidos, Miguel Ángel hizo las figuras más grandes. Una de las imágenes centrales, <b>La Creación de Adán</b>, es una de las obras más conocidas y más reproducidas en la historia del arte. El panel final, mostrando la <b>Separación de la Luz de la Oscuridad</b> es el más amplio en estilo y fue pintado en un solo día. Como modelo para el Creador, Miguel Ángel se ha representado en la acción de pintar el techo.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-AD2QkkzIRcM/WC4zUmv6aNI/AAAAAAAAK7A/n6WMQG3XgH89xvlp710XxXy0IN8YCBkeQCLcB/s1600/Creacion-de-Adan-miguelangel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="297" src="https://3.bp.blogspot.com/-AD2QkkzIRcM/WC4zUmv6aNI/AAAAAAAAK7A/n6WMQG3XgH89xvlp710XxXy0IN8YCBkeQCLcB/s640/Creacion-de-Adan-miguelangel.jpg" width="640" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La Creación de Adan</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-MbWUrgJZf8A/WC4zhxuWY5I/AAAAAAAAK7E/Ji7Ec_3L474-KE9SBINqmT5R30hWpeUUwCLcB/s1600/el-diluvio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-MbWUrgJZf8A/WC4zhxuWY5I/AAAAAAAAK7E/Ji7Ec_3L474-KE9SBINqmT5R30hWpeUUwCLcB/s320/el-diluvio.jpg" width="281" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El Diluvio<br />
<br />
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-LVEywLqfvKA/WC4z1TkX4sI/AAAAAAAAK7I/26KfUoyo78QwPygucZEA94uCFPueRWlNACLcB/s1600/embriaguez-noe-miguelangel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="201" src="https://4.bp.blogspot.com/-LVEywLqfvKA/WC4z1TkX4sI/AAAAAAAAK7I/26KfUoyo78QwPygucZEA94uCFPueRWlNACLcB/s320/embriaguez-noe-miguelangel.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Embriaguez de Noé</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3it920KXhLI/WC40Gf5b3UI/AAAAAAAAK7M/3KkavUcIvLwV4iXbwUf7UfpxdC0XaEQTgCLcB/s1600/primer-dia-creacion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-3it920KXhLI/WC40Gf5b3UI/AAAAAAAAK7M/3KkavUcIvLwV4iXbwUf7UfpxdC0XaEQTgCLcB/s320/primer-dia-creacion.jpg" width="262" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Primer día de la Creación</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Como apoyo de las escenas más pequeñas, Miguel Ángel pintó a veinte jóvenes que han sido interpretados como ángeles, musas o simplemente como decoración. Michelangelo se refirió a ellos como "<b>ignudi</b>". La figura reproducida se puede ver en el contexto en la imagen anterior de la <b>Separación de la luz de la oscuridad</b>. En el proceso de pintar el techo, Miguel Ángel hizo estudios para diferentes figuras, de las cuales algunas, como la de <b>Sibila Libia</b> han sobrevivido, demostrando el cuidado de Miguel Ángel en detalles como las manos y los pies. El <b>Profeta Jeremías</b>, contemplando la caída de Jerusalén, es una imagen del propio artista.</span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Fsk_ik-Q8tY/WC42bB60FcI/AAAAAAAAK7Y/B-X1vXgyi5c3uJVPtiNxOLJpeuyGS41twCLcB/s1600/sibila-libia-miguelangel.jpg" imageanchor="1" style="font-size: medium; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-Fsk_ik-Q8tY/WC42bB60FcI/AAAAAAAAK7Y/B-X1vXgyi5c3uJVPtiNxOLJpeuyGS41twCLcB/s1600/sibila-libia-miguelangel.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Sibila Libia</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-RoJdaZ2wcG8/WC42PmFJneI/AAAAAAAAK7U/MgqdKtTlUbIRe5IVI-j6rSK3xRJ0D9QGQCLcB/s1600/profeta-jerem%25C3%25ADas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-RoJdaZ2wcG8/WC42PmFJneI/AAAAAAAAK7U/MgqdKtTlUbIRe5IVI-j6rSK3xRJ0D9QGQCLcB/s320/profeta-jerem%25C3%25ADas.jpg" width="233" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El profeta Jeremías</td></tr>
</tbody></table>
</div>
<br />
<br />
<br /></div>
<hr />
</div>
rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-45412761145555754172016-09-23T09:20:00.000-07:002016-09-23T09:20:20.548-07:00Estilos del arte vikingo<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El <b><a href="http://desarrollodelarte.blogspot.com/2016/05/el-arte-vikingo.html">arte de los vikingos</a></b> está organizado en una secuencia de fases estilísticas definidas, las cuáles a pesar de un solapamiento significativo en el estilo y la cronología, pueden ser definidos y distinguidos tanto por los elementos de diseño formales y de composición, como por los temas recurrentes:</span><br />
<a name='more'></a><div>
<h3>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
Estilo Oseberg</span></h3>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El Estilo Oseberg caracteriza la fase inicial de lo que se ha considerado el arte vikingo. El Estilo Oseberg toma su nombre del Barco de Oseberg, un drakkar bien conservado y muy decorado descubierto en un extenso montículo funerario en la granja de Oseberg cerca de Tønsberg en Oslo, Noruega, que también contenía una serie de otros objetos de madera ricamente decorados. Este barco fue la tumba secreta de una reina vikinga.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Un motivo característico del estilo Oseberg es el llamado <b>bestia de agarre</b>. El tema bestia agarre es lo que distingue claramente el arte vikingo temprano de los estilos que lo precedieron. Las principales características del bestia de agarre son las patas que agarran los bordes a su alrededor, bestias vecinas o partes de su propio cuerpo. El estilo se caracteriza también por las tradiciones de la era Vendel, y en la actualidad generalmente no se acepta como un estilo independiente.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-tNwG5cc-QiM/V0cx4JkV3TI/AAAAAAAAJS4/lVYf98DQniQ9Lm3X8MYW9X9lvt94P_VmwCLcB/s1600/barco-vikingo-Oseberg.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-tNwG5cc-QiM/V0cx4JkV3TI/AAAAAAAAJS4/lVYf98DQniQ9Lm3X8MYW9X9lvt94P_VmwCLcB/s320/barco-vikingo-Oseberg.JPG" width="240" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Barco funerario Oseberg</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-Uh4_HaOu8q8/V0cyQwd8vrI/AAAAAAAAJS8/83T_uARYkqgtEubHNgKkN4ObWSHzNfs6wCLcB/s1600/detalles-proa-oseberg.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-Uh4_HaOu8q8/V0cyQwd8vrI/AAAAAAAAJS8/83T_uARYkqgtEubHNgKkN4ObWSHzNfs6wCLcB/s320/detalles-proa-oseberg.JPG" width="240" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Detalles de la proa del barco Oseberg</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td><a href="https://2.bp.blogspot.com/-ttjvLZE5MGo/V0cyaUUVlrI/AAAAAAAAJTE/ktpZR9PgUy8kH558MtZMCiSD2UwSrQW5ACKgB/s1600/detalles-barco-Oseberg.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-ttjvLZE5MGo/V0cyaUUVlrI/AAAAAAAAJTE/ktpZR9PgUy8kH558MtZMCiSD2UwSrQW5ACKgB/s320/detalles-barco-Oseberg.jpg" width="240" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif; font-size: 12.8px;">Elementos decorativos del barco Oseberg</span></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
</div>
</div>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Estilo Borre</span></h3>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El estilo Borre abarca una gama de patrones geométricos entrelazados/ anudados y motivos zoomorfos (un solo animal), reconocido por primera vez en un grupo de montajes de arneses de bronce dorado recuperado de un barco sepultura en el cementerio vikingo de Borre, cerca del pueblo de Borre, Vestfold, Noruega y de donde deriva el nombre del estilo. El estilo Borre prevaleció en Escandinavia desde finales del siglo IX hasta finales del siglo X, un período de tiempo determinado en parte por los datos dendrocronológicas suministrados por los sitios con artefactos característicos del estilo Borre.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La 'bestia de agarre' con un cuerpo en forma de banda continua como una característica de este y de los estilos anteriores. Al igual que con los patrones geométricos en esta fase, el impacto visual del estilo Borre resulta del llenado del espacio disponible: trenzados de animales en banda están estrechamente entrelazados y cuerpos de animales están dispuestos para crear composiciones cerradas y ajustadas. Como resultado, cualquier fondo es notablemente ausente - una característica del estilo Borre que contrasta fuertemente con las composiciones más abiertas y fluidas que prevalecieron en el estilo Jellinge superpuesto.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Una característica más particular del estilo Borre se encuentra en un "anillo-cadena" (o 'anillo-trenza') simétrico y con doble contorno, cuya composición se compone de círculos entrelazados separados por barras transversales y una superposición de rombo. El anillo-cadena Borre de vez en cuando termina con una cabeza de animal en alto relieve, como se ve en los accesorios encontrados en Borre y Gokstad.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Las crestas de los diseños en objetos de metal a menudo están melladas para imitar el alambre de filigrana empleado en las mejores piezas de artesanía.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-6K4oNdzK6sQ/V0c699n0pkI/AAAAAAAAJTY/oA9r_urFb_U7n5ord5btGoI7xAwaXz_jQCLcB/s1600/colgante-bronce-estilo-borre.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-6K4oNdzK6sQ/V0c699n0pkI/AAAAAAAAJTY/oA9r_urFb_U7n5ord5btGoI7xAwaXz_jQCLcB/s320/colgante-bronce-estilo-borre.JPG" width="240" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Colgante de bronce</span></td></tr>
</tbody></table>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Estilo Jellinge</span></h3>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El estilo Jellinge es una fase de arte animal escandinavo que se desarrolló durante el siglo X. El estilo se caracteriza por cuerpos de animales marcadamente estilizados y, a menudo en forma de bandas. Inicialmente se aplicó a un complejo de objetos en Jelling, Dinamarca, como la gran piedra rúnica de Harald Bluetooth, pero la investigación posterior categorizó estos objetos como pertenecientes al estilo Mammen.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-AVKxUhQEBiM/V0c9ADGSCqI/AAAAAAAAJTk/ODUiT2Rmozsfs6SgHtBqStP4qwXUvApXgCLcB/s1600/objetos-estilo-jelling.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-AVKxUhQEBiM/V0c9ADGSCqI/AAAAAAAAJTk/ODUiT2Rmozsfs6SgHtBqStP4qwXUvApXgCLcB/s320/objetos-estilo-jelling.gif" width="256" /></span></a></div>
<h3 style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Estilo Mammen</span></h3>
<div class="separator" style="clear: both;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El estilo Mammen toma su nombre de su objeto representativo, un hacha recuperada del entierro de un rico individuo masculino en un túmulo (Bjerringhø) en Mammen, en Jutlandia, Dinamarca (con base en la dendrocronología, la madera utilizada en la construcción de la cámara de la tumba fue derribada en invierno de 970-971). Ricamente decorada por ambos lados con diseños en plata con incrustaciones, el hacha de hierro era probablemente un arma de desfile ceremonial que era propiedad de un hombre cuyo estatus era al menos de príncipie, y cuya ropa de entierro llevaba un bordado elaborado y adornado con seda y pieles.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">En una de las caras, el hacha Mammen cuenta con un gran pájaro con cuerpo granulado, cresta, ojo circular, y la cabeza erguida y el pico con orejera. Una gran concha en espiral marca la cadera del pájaro, de la que emergen sus alas finas alargadas: el ala derecha se entrelaza con el cuello del ave, mientras que el ala izquierda se entrelaza con su cuerpo y la cola. El borde exterior del ala muestra una muesca semicircular típica del diseño del estilo Mammen. La cola se representa como un triple zarcillo, cuyo tratamiento particular en el hacha Mammen - con extremos abiertos, en forma de gancho - forma una característica del estilo Mammen en su conjunto. Para complicar el diseño está la cabeza-orejera del ave, la cual se entrelaza dos veces con el cuello y el ala derecha, mientras que también hay zarcillos que brotan a lo largo del borde del filo del hacha. En la parte superior, cerca de la empuñadura, el hacha Mammen cuenta con un nudo entrelazado en una cara y una máscara humana triangular (con nariz grande, bigote y barba espiral) en la otra; esto último probaría un motivo favorecido para el estilo Mammen que fue tomado y acarreado de estilos anteriores.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Por otro lado, el hacha Mammen cuenta con un diseño de follaje propagandose (hoja), que emana de espirales en la base con zarcillos finos que se propagan y se entrelazan a través de la cabeza del hacha hacia el mango.</span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-TzESWpwsazc/V0ee6jh5-MI/AAAAAAAAJUk/walL05CZI2spYQreOUE3QFPQlrY0I6jXgCLcB/s1600/hacha-Mammen.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-TzESWpwsazc/V0ee6jh5-MI/AAAAAAAAJUk/walL05CZI2spYQreOUE3QFPQlrY0I6jXgCLcB/s320/hacha-Mammen.gif" width="184" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Caneza del hacha de Mammen</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/--SKOK6_3CpY/V0efm824q7I/AAAAAAAAJUo/z5h1R3Km32QhJCZ-snHNI9c_IK-p8O30ACKgB/s1600/Camminskrinet.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="198" src="https://3.bp.blogspot.com/--SKOK6_3CpY/V0efm824q7I/AAAAAAAAJUo/z5h1R3Km32QhJCZ-snHNI9c_IK-p8O30ACKgB/s320/Camminskrinet.jpg" width="320" /></a></div>
<h3 style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Estilo Ringerike</span></h3>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El estilo Ringerike recibe su nombre del distrito Ringerike al norte de Oslo, Noruega, donde la arenisca rojiza local fue ampliamente utilizada para tallar piedras con diseños de este estilo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El objeto representativo más comúnmente utilizado para definir el estilo Ringerike es una piedra tallada de </span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">2,15 m de altura </span><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">en Vang en Oppland. Aparte de una inscripción conmemorativa rúnica en su borde derecho, el área principal de la piedra de Vang está llena con un adorno de zarcillo balanceado que surge de dos espirales de concha en la base: los tallos principales se cruzan dos veces para terminar en zarcillos lobulados. En el cruce, más zarcillos surgen de bucles y los motivos en forma de pera aparece<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">n</span> a partir de los centros de zarcillo en el bucle superior. Aunque axial en la concepción, una asimetría básica surge en la deposición de los tentáculos. S<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">obresaliendo d</span>el patrón de zarcillo aparece un animal <span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">con grandes</span> zancadas <span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">representado mediant<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">e un</span></span> doble contornead<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">o</span> con las caderas en espiral y una orejera de labio. Comparando el diseño animal d<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">e la <b>Piedra </b></span><b>Vang</b> con el animal relacionado de la cabeza de hacha Mammen, este último carece de la axialidad vist<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">a</span> en la piedra de Vang y sus zarcillos son mucho menos disciplinad<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">os</span>: <span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">la rúbrica</span> Mammen es ondulada, mientras que <span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">la rúbrica</span> Vang aparece tensa y uniformemente curvada, siendo estas características que marcan una diferencia clave entre el ornamiento Mammen y Ringerike. La interrelación entre los dos estilos es obvi<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">a</span>, sin embargo, al comparar el animal <span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">de la piedra Vang</span> <span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">con el ani<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">mal que <span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">se encuentra en la <b>p</b><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><b>iedra Jelling</b>.</span></span></span></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-tPK2fiDniOs/V-U_ak1KFuI/AAAAAAAAKsg/XqEeeKWm4cw4wtg2I7TU4N5xh7nH1FdRgCLcB/s1600/Piedra-Vang.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-tPK2fiDniOs/V-U_ak1KFuI/AAAAAAAAKsg/XqEeeKWm4cw4wtg2I7TU4N5xh7nH1FdRgCLcB/s320/Piedra-Vang.JPG" width="185" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Piedra Vang</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Con respecto al trabajo de metalistería, el estilo Ringerike está bien representado en dos veletas en cobre dorado, de Källunge, Gotland y de Söderala, Hälsingland. La primera muestra una cara con dos bucles construidos axialmente en forma de serpientes, de las que a su su vez salen zarcillos simétricamente colocados. Las cabezas de serpiente, así como el animal y la serpiente en el reverso, presentan un tratamiento más florido que en la piedra de Vang: todas tienen orejeras de labio, las serpientes llevan trenzas, mientras que todos los animales tienen un ojo en forma de pera con la punta dirigida hacia el hocico - una característica que sirve para identificar el Ringerike.</span><br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-5DdO3xE0ou0/V-VCziG92pI/AAAAAAAAKss/iTd5UIg1YXk_6EBIKqJd3lHzGkONGZ-NQCLcB/s1600/Veleta-S%25C3%25B6derala.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="https://2.bp.blogspot.com/-5DdO3xE0ou0/V-VCziG92pI/AAAAAAAAKss/iTd5UIg1YXk_6EBIKqJd3lHzGkONGZ-NQCLcB/s320/Veleta-S%25C3%25B6derala.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Veleta de Söderala </div>
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El estilo Ringerike es un estilo animal escandinavo de finales del siglo 10 y el siglo 11, que se desarrolló a partir del Estilo Mammen anterior. Ha recibido su nombre de un grupo de piedras rúnicas con motivos animales y vegetales halladas en el distrito Ringerike al norte de Oslo. Lostemas más comunes son los leones, pájaros y animales en forma de cinta y espirales. Algunos elementos aparecen por primera vez en el arte escandinavo, tales como diferentes tipos de cruces, palmetas y lazos en forma de pretzel que mantienen atados dos elementos o adornos. La mayoría de los temas tienen homólogos en el arte anglosajón y el arte otoniano. </span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/--avz9VZFQiw/V-VGGNAsVPI/AAAAAAAAKs4/vCX9b47zbnUGwNJV3cR6XGGJNBK2n3aOQCLcB/s1600/Heggen.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="diseño de Veleta vikinga" border="0" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/--avz9VZFQiw/V-VGGNAsVPI/AAAAAAAAKs4/vCX9b47zbnUGwNJV3cR6XGGJNBK2n3aOQCLcB/s320/Heggen.gif" title="" width="254" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
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</div>
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</div>
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</div>
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</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-FMGAL_PvTz4/V-VGPMBKt4I/AAAAAAAAKs8/dDscgaKCqagN2mzDrSJKj9uhqXZ8nyxWQCLcB/s1600/Piedra-runica.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="piedra rúnica" border="0" height="213" src="https://2.bp.blogspot.com/-FMGAL_PvTz4/V-VGPMBKt4I/AAAAAAAAKs8/dDscgaKCqagN2mzDrSJKj9uhqXZ8nyxWQCLcB/s320/Piedra-runica.jpg" title="" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-V0lbos5X6yc/V-VGeWFS8gI/AAAAAAAAKtA/ZXFe1OrcrVMCPtqfdHTYXRc1XfMzUS2hgCLcB/s1600/Piedra-runa-Str%25C3%25A4ngn%25C3%25A4s.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-V0lbos5X6yc/V-VGeWFS8gI/AAAAAAAAKtA/ZXFe1OrcrVMCPtqfdHTYXRc1XfMzUS2hgCLcB/s320/Piedra-runa-Str%25C3%25A4ngn%25C3%25A4s.jpg" width="256" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-4CGeuhtRLyM/V-VGmo8FqUI/AAAAAAAAKtE/2HXw6viDUwEXnQGhhZXAvdzyIcJhqkjOgCLcB/s1600/Piedra-runa-Fjuckby.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Piedra rúnica de Fjuckby" border="0" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-4CGeuhtRLyM/V-VGmo8FqUI/AAAAAAAAKtE/2HXw6viDUwEXnQGhhZXAvdzyIcJhqkjOgCLcB/s320/Piedra-runa-Fjuckby.jpg" title="" width="265" /></a></div>
<h3 style="text-align: left;">
Estilo Urnes </h3>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-W_Qgxrj9El4/V-VJ80XbMkI/AAAAAAAAKtQ/QBq0SgkT7_Yo6D5ciQjGkT_Gr-mL0EgNgCLcB/s1600/Ornamento-Bronce.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="239" src="https://2.bp.blogspot.com/-W_Qgxrj9El4/V-VJ80XbMkI/AAAAAAAAKtQ/QBq0SgkT7_Yo6D5ciQjGkT_Gr-mL0EgNgCLcB/s320/Ornamento-Bronce.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b>Ornamento de bronce de Dinamarca</b></td></tr>
</tbody></table>
<h3 style="text-align: center;">
</h3>
El estilo Urnes fue la última fase del arte escandinavo basado en temas animales durante la segunda mitad del siglo 11 y principios del siglo 12. El estilo Urnes debe su nombre a la puerta norte de la iglesia de madera de Urnes en Noruega, pero la mayoría de los objetos en este estilo son runas en Uppland, Suecia, por lo que algunos estudiosos prefieren llamarlo el <b>estilo de Piedras Rúnicas</b>.<br />
<br />
El estilo se caracteriza por los animales delgados y estilizados que se entrelazan en patrones ajustados. Las cabezas de los animales se ven en perfil, tienen ojos delgados en forma de almendra y hay apéndices rizados hacia arriba en las narices y los cuellos. <br />
<h4 style="text-align: left;">
Estilo Urnes temprana</h4>
El estilo temprano ha recibido una datación que se basa principalmente en la piedra rúnica U 343, en la piedra rúnica U 344 y un cuenco de plata de 1050, que fue encontrado en Lilla Valla. La versión temprana de este estilo en piedras rúnicas comprende las <b>Piedras Rúnicas sobre Inglaterra</b>, que se referían a los Danegeld y Canuto el Grande y obras de Åsmund Kåresson.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-hh7RlHolF9Y/V-VMEY5WeyI/AAAAAAAAKtc/r2r_my0U2c4Dm112T67NKgHuDKyJW3VpwCLcB/s1600/Upplands_Runinskrift_871.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-hh7RlHolF9Y/V-VMEY5WeyI/AAAAAAAAKtc/r2r_my0U2c4Dm112T67NKgHuDKyJW3VpwCLcB/s320/Upplands_Runinskrift_871.jpg" width="240" /></a></div>
<br />
<h4 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Estilo Urnes Medio </span></h4>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El estilo Urnes Medio ha recibido una datación relativamente firme sobre la base de su aparición en las monedas acuñadas por Harald Hardrada (1047-1066) y por Olav Kyrre (1080-1090). Dos tallas de madera de Oslo se han fechado en 1050-1100 después de Cristo y el tablón Hørning fue fechado por dendrocronología en 1060-1070 después de Cristo. Existe, sin embargo, evidencia que sugiere que el estilo Urnes Medio fue desarrollado antes de 1050 en la forma en que es representado por los artistas Fot y Balli.</span><br />
<h4 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Estilo Urnes Tardío </span></h4>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El estilo Urnes Medio se mantendría lado a lado en popularidad con el Estilo Urnes Tardío del maestro Öpir. Este artista es famoso por un estilo en el que los animales son extremadamente delgados y hacen movimientos circulares en composiciones abiertas. Este estilo no es exclusivo de Öpir y Suecia,ya que también aparece en un tablón de Bolstad y en una silla de Trondheim, Noruega.</span><br />
<br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Las piedras rúnicas Jarlabanke muestran rasgos tanto del Estilo Urnes Tardío como del Estilo Urnes Medio de Fot y Balli, y fue el tipo Fot-Balli el que se mezclaría con el estilo Románico en el siglo 12. </span><br />
<div style="text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-yUdc-XEvcfA/V-VTCErnYZI/AAAAAAAAKts/CFtY70zQQ9kElnJ_MyLa1MNTofkVEmu1wCLcB/s1600/Urnesportalen.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-yUdc-XEvcfA/V-VTCErnYZI/AAAAAAAAKts/CFtY70zQQ9kElnJ_MyLa1MNTofkVEmu1wCLcB/s320/Urnesportalen.jpg" width="181" /></a></div>
<h4 style="text-align: left;">
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">Estilo Urnes-Románico </span></h4>
</div>
<span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">El estilo Urnes-Románico no aparece en runas lo que sugiere que la tradición de hacer runas había muerto cuando el estilo mezclado hizo su aparición ya que está bien representado en Gotland y en la parte continental de Suecia. El estilo Urnes-Románico se puede fechar con independencia del estilo gracias a las representaciones de Oslo, en el período 1100-1175, datación dendrocronológica del frontal de Lisbjerg en Dinamarca de 1135, así como relicarios irlandeses que están fechados en la segunda mitad del siglo 12. </span><br />
<br />
<br />
<hr />
</div>
rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-41939855971733236142016-05-26T09:56:00.000-07:002016-09-23T09:24:47.097-07:00El Arte Vikingo<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">El arte vikingo, también conocido comúnmente como el arte nórdico, es un término ampliamente aceptado para el arte de Escandinavia y los asentamientos vikingos más lejanos, particularmente en las Islas Británicas e Islandia - durante la época de los vikingos de los siglos 8 al 11 de la después de Cristos. El arte vikingo tiene muchos elementos de diseño en común con el arte celta, germánico, romanesco tardío y de Europa del Este, de tal forma que comparte muchas influencias con cada una de estas tradiciones.</span><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-v3BAi8qc4IE/V0cJDo871lI/AAAAAAAAJSI/PmNCmiEJ7owPvG-h4JPUJ7tKgnYIIbX-ACLcB/s1600/joyeria-oro-vikinga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-v3BAi8qc4IE/V0cJDo871lI/AAAAAAAAJSI/PmNCmiEJ7owPvG-h4JPUJ7tKgnYIIbX-ACLcB/s1600/joyeria-oro-vikinga.jpg" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Joyería de oro vikinga del siglo X</span></td></tr>
</tbody></table>
<h3 style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Contexto histórico del arte vikingo</span></h3>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Los vikingos eran originarios de Escandinavia, la península más septentrional de Europa continental, mientras que el término 'Vikingo' probablemente deriva de su propio término para incursiones costeras - la actividad por la cual muchas culturas vecinas se familiarizaron con los habitantes de la región. El nombre alternativo para el pueblo vikingo, los nórdicos o escandinavos ("hombres del norte"), refleja claramente su tierra natal del norte.</span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Los invasores vikingos atacaron los objetivos más ricos en las costas del noroeste de Europa desde finales del siglo VIII hasta mediados del siglo XI después de Cristo. Comerciantes pre-cristianos e incursores, los vikingos entran por primera vez en la historia registrada con su ataque a la comunidad monástica cristiana en la isla de Lindisfarne en 793.</span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Los vikingos emplearon inicialmente sus barcos largos, conocidos como drakkar, para invadir y atacar las costas europeas, los puertos y los centros fluviales de manera estacional.</span></div>
</div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Posteriormente, las actividades de los vikingos se diversificaron para incluir viajes comerciales al este, oeste y sur de sus tierras de origen en Escandinavia, con viajes repetidos y regulares que seguían los sistemas fluviales al este en Rusia y las regiones del Mar Negro y el Mar Caspio, y al oeste de las costas de las Islas Británicas, Islandia y Groenlandia. Existe evidencia de que los vikingos llegaron a Terranova mucho antes de que los últimos viajes de Cristóbal Colón descubrieran el "Nuevo Mundo".</span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Las actividades comerciales y mercantiles fueron acompañados por el asentamiento y la colonización en muchos de estos territorios.</span></div>
</div>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Desarrollo del arte de los vikingos</span></h3>
<div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">En términos generales, el conocimiento actual del arte vikingo se basa en gran medida en los objetos más duraderos de metal y piedra; madera, hueso, marfil y los textiles muy raramente están bien preservados; la piel humana, que las fuentes históricas indican que a menudo era tatuada elaboradamente, es poco probable que hayan sobrevivido hasta nuestros días. El registro artístico, por lo tanto, que ha sobrevivido hasta la actualidad, sigue siendo muy incompleto. Las excavaciones arqueológicas en curso y los hallazgos oportunistas, por supuesto, pueden mejorar esta situación en el futuro, al igual que lo han hecho en el pasado reciente.</span></div>
</div>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Arte en piedra</span></h3>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Con la excepción de las imágenes de piedra encontradas en Suecia que prevalecieron a principios del período vikingo, la talla en piedra aparentemente no se practicaba en otros lugares en Escandinavia hasta mediados del siglo X y la creación de los monumentos reales en Jelling en Dinamarca. Posteriormente, y probablemente bajo la influencia de la expansión del cristianismo, el uso de la piedra tallada para monumentos permanentes se hizo más frecuente.</span></div>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Madera y materiales orgánicos</span></h3>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-Jk8tppjISdU/V0cTt_huPyI/AAAAAAAAJSY/rUTI27sc1N03peL9gfZgxpWMaguKH0D0ACLcB/s1600/tallado-madera-Urnes-stavkyrkje.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-Jk8tppjISdU/V0cTt_huPyI/AAAAAAAAJSY/rUTI27sc1N03peL9gfZgxpWMaguKH0D0ACLcB/s1600/tallado-madera-Urnes-stavkyrkje.jpg" /></span></a></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La madera era, sin duda, el principal material de elección para los artistas vikingos, siendo relativamente fácil de tallar, barato y abundante en el norte de Europa. La importancia de la madera como medio artístico es subrayada por la supervivencia de diversas muestras de arte en madera de principios y finales del periodo vikingo, como por ejemplo el <b>barco de Oseberg</b> de principios del siglo IX (usado como sepultura de un personaje importante de los vikingos) y la decoración tallada en madera de la iglesia de Urnes de finales del siglo XI. De acuerdo a Graham-Campbell: "Estos vestigios notables nos permiten formar al menos una idea de lo que nos falta del arte vikingo original, aunque los fragmentos de madera y esculturas a pequeña escala en otros materiales (tales como cornamenta, ámbar y marfil de morsa) nos ha brindado más pistas. Lo mismo también es cierto, inevitablemente, para las artes textiles, aunque el tejido y el bordado eran claramente artesanías bien desarrolladas".</span></div>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Metales</span></h3>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-H_qwAjI-VIE/V0cZRsz1WsI/AAAAAAAAJSo/0-GcbN4H5Fo1I0GUVvAisTbHzEjViV7YwCLcB/s1600/broches-plata-vikingos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-H_qwAjI-VIE/V0cZRsz1WsI/AAAAAAAAJSo/0-GcbN4H5Fo1I0GUVvAisTbHzEjViV7YwCLcB/s320/broches-plata-vikingos.jpg" width="257" /></span></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Broches de plata vikingos</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Más allá de los registros de artefactos de madera y piedra descontinuados, la historia reconstruida del arte vikingo hasta la fecha se basa más en el estudio de la decoración con trabajos en metal ornamentales de una gran variedad de fuentes. Varios tipos de contextos arqueológicos han sido descubiertos y estudiados exitosamente gracias a la preservación de objetos de metal para su presente análisis, dado que la durabilidad de los metales preciosos, en particular los metales preciosos, ha conservado mucho de la expresión artística y el trabajo invertido en los objetos.</span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">La joyería fue usada por hombres y mujeres, aunque de diferentes tipos. Las mujeres casadas fijaban sus mejores vestidos cerca del hombro con pares de grandes broches. Los eruditos modernos a menudo los llaman "broches de tortuga" debido a su forma de domo. Las formas y estilos de los broches de las mujeres variaban de una región a otra, pero en muchos casos usaban calado. Las mujeres a menudo utilizaban cadenas de metal o collares de cuentas entre los broches, o adornos suspendidos desde el fondo de los broches. Los hombres usaban anillos en los dedos, los brazos y el cuello, y mantenían sus capas cerradas con broches, que a menudo tenían pernos largos extravagantes. Sus armas a menudo estaban ricamente decoradas en áreas tales como las empuñaduras de las espadas. Los vikingos generalmente utilizaban joyería de plata o de bronce, este último material a veces dorado, pero se han encontrado un pequeño número de piezas o conjuntos lujosos en oro macizo, que probablemente pertenecían a la realeza u otros personajes importantes.</span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Una variedad de objetos metálicos decorados de uso diario con frecuencia se han recuperado de tumbas del periodo vikingo, debido a la extendida práctica de hacer entierros acompañados de ajuares. El fallecido era vestido con su mejor ropa y joyas, y era enterrado con sus armas, herramientas y artículos para el hogar. Menos comunes, pero significativos sin embargo, son los hallazgos de objetos de metales preciosos en forma de acumulaciones de tesoros, los cuáles en muchos casos fueron ocultados para su protección por los propietarios, quienes no pudieron recuperar su contenido, aunque algunos pueden haber sido depositados como ofrendas a los dioses.</span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Recientemente, debido a la creciente popularidad y uso de artefactos de detección de metales, se ha incrementado la frecuencia de los hallazgos fortuitos de objetos individuales de metal y adornos (muy probablemente estos objetos representan pérdidas accidentales), lo que a su vez ha ido aumentando la cantidad de nuevo material para su estudio.</span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Las monedas de los vikingos encajan bien en esta última categoría, sin embargo, forman una categoría separada de artefactos del periodo vikingo, dado que su diseño y decoración en gran medida son independientes de los estilos característicos del desarrollo de la actividad artística de los vikingos.</span></div>
</div>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Otras fuentes de información sobre el arte vikingo</span></h3>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Una fuente no visual de información sobre el arte vikingo se encuentra en los <b>versos escáldicos</b>, la forma compleja de poesía oral compuesta durante la época de los vikingos y que era transmitida también de forma oral hasta que fue transcrita siglos más tarde. Varios versos hablan de formas pintadas de decoración que rara vez han sobrevivido en madera y piedra. El poeta escaldo del siglo IX Bragi Boddason, por ejemplo, cita cuatro escenas aparentemente no relacionados pintadas en un escudo. Una de estas escenas representa la expedición de pesca del dios Thor, cuyo tema también se hace referencia en un poema del siglo 10 de Ulf Uggason, el cual describe las pinturas en un salón recién construido en Islandia.</span></div>
<h3 style="text-align: left;">
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Orígenes del arte vikingo</span></h3>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"></span><br />
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">Una tradición artística continua común a la mayor parte de Europa noroccidental y que se desarrolló desde el siglo IV después de Cristo, formó las bases sobre las que el arte y la decoración de los vikingos se construyeron: a partir de ese período en adelante, la mayoría de los artistas escandinavos se centró en gran medida en variedades complejas de ornamentación basada en animales que fue empleada para decorar una amplia variedad de objetos.</span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
</span>
<div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;"><br /></span></div>
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">
<div>
El historiador del arte <b>Bernhard Salin</b> fue el primero en sistematizar el ornamento germánico basado en animales, dividiéndolo en tres estilos (I, II y III). Los dos últimos fueron posteriormente subdivididos por Arwidsson en tres estilos más: el <b>Estilo C</b>, que floreció durante el siglo VII y en el siglo VIII, antes de ser reemplazado en gran medida (especialmente en el sur de Escandinavia) por el estilo <b>Estilos D</b>. Los estilos C y D fueron la inspiración de la expresión inicial de la ornamentación basada en animales en la época de los vikingos, denominada como <b>Estilo E</b>, comúnmente conocido como el estilo Oseberg/ Broa. Los estilos D y E se desarrollaron dentro de un amplio contexto escandinavo, que, aunque estaba de acuerdo con la ornamentación basada en animales del noroeste de Europa a nivel general, exhibió poca influencia proveniente de más allá de los países escandinavos.</div>
<h3 style="text-align: left;">
Estilos del arte vikingo</h3>
<div>
El arte de la época de los vikingos está organizado en una secuencia de fases estilísticas definidas (m<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">ás <span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">información en el <span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif;">artículo: <a href="http://desarrollodelarte.blogspot.com/2016/09/estilos-del-arte-vikingo.html" target="_blank"><b>Estilos del Arte Vikingo</b></a></span></span></span>), las cuáles a pesar de un solapamiento significativo en el estilo y la cronología, pueden ser definidos y distinguidos tanto por los elementos de diseño formales y de composición, como por los temas recurrentes:</div>
<div>
<ul style="text-align: left;">
<li>Estilo Oseberg</li>
<li>Estilo Borre</li>
<li>Estilo Jellinge</li>
<li>Estilo Mammen</li>
<li>Estilo Ringerike</li>
<li>Estilo Urnes</li>
</ul>
<div>
Como era de esperar, estas fases estilísticas aparecen en su forma más pura en la propia Escandinavia; en otras partes del mundo vikingo, adiciones notables de culturas e influencias externas aparecen con frecuencia. En las Islas Británicas, por ejemplo, los historiadores del arte identifican distintas versiones 'insulares' de temas escandinavos, a menudo directamente al lado de la decoración vikinga "pura".</div>
</div>
</span></div>
</div>
<hr />
</div>
rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-72275049481850107662010-10-20T15:46:00.001-07:002016-05-26T11:24:11.659-07:00FRIDA KAHLO<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Biografía de Frida Kahlo</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-7HeW9x4xa1U/V0c_D016EoI/AAAAAAAAJTw/wyg2aulTXDU2TMcXT_-YgLIYi8jT1OnEwCLcB/s1600/kahlo-frida.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="fotografía de Frida Kahlo" border="0" height="259" src="https://4.bp.blogspot.com/-7HeW9x4xa1U/V0c_D016EoI/AAAAAAAAJTw/wyg2aulTXDU2TMcXT_-YgLIYi8jT1OnEwCLcB/s320/kahlo-frida.jpg" title="" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón</b>, mejor conocida como <b>Frida Kahlo</b>; nació en Coyoacàn, Ciudad de México, el 6 de julio de 1907 y murió el 13 de julio de 1954 en Coyoacàn. A pesar de ello, Frida decía haber nacido en 1910, año del inició de la Revolución mexicana: “Nací con la Revolución”, porque quería que su vida comenzara con el México moderno. <br />
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Orgullosa de su patria y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor. Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo, fotógrafo de origen germano-húngaro, de religión judía con su segunda esposa, la mexicana Matilde Calderón, de ascendencia española.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Fue una destacada pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.<br />
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
A los dieciocho años, Frida sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. </div>
<a name='more'></a><br />
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera, tuvo un aborto (1932) que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: “Henry Ford Hospital” y “Frida y el aborto”, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora.<br />
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
También son muy apreciados sus autorretratos, así mismo de compleja interpretación: “Autorretrato con monos”, “Las dos Fridas”.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo dijo que era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días decidió que esa tendencia no correspondía con su creación artística.<br />
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En su búsqueda de las raíces estéticas de México, Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>COLORES</b>: Los cuadros de Frida Kahlo son ricos en colores vibrantes y brillantes. En su diario, Frida intenta explicar el significado de los colores usados en sus trabajos:</div>
<ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<li>El verde- Luz tibia y buena.</li>
<li>Solferino- azteca TLAPALI vieja Sangre de tuna, el màs vivo y antiguo.</li>
<li>Brown- Color de mole, de hoja que se va tierra.</li>
<li>Amarillo- locura, enfermedad, miedo. Parte del sol y de la alegría.</li>
<li>Azul cobalto- Electricidad y pureza amor.</li>
<li>Negro - nada es negro - realmente nada.</li>
<li>Hoja Verde - hojas, triteza, ciencia. Alemania entera es de este color.</li>
<li>Amarillo verdoso - màs locura y misterio…todo los fantasmas usan trajes de este color o cuando menos ropa interior.</li>
<li>Verde oscuro - color de anuncios malos y de buenos negocios.</li>
<li>Azul Marino - distancia….Tambièn la Ternura puede ser de este azul.</li>
<li>Roja - sangre?....pues, quièn sabe!</li>
</ul>
</div>
rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-64708384734573503712010-10-20T15:44:00.000-07:002016-05-26T11:29:13.750-07:00DEBORAH ARANGO<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
<br /></div>
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
Biografía Deborah Arango</h3>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-35ZEd9B2adw/V0dAWufNZdI/AAAAAAAAJT8/tT1GUqSFeS45fShUN3Wdz-1SK7KgJIz4QCLcB/s1600/Deborah-Arango.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://2.bp.blogspot.com/-35ZEd9B2adw/V0dAWufNZdI/AAAAAAAAJT8/tT1GUqSFeS45fShUN3Wdz-1SK7KgJIz4QCLcB/s1600/Deborah-Arango.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Pintora expresionista</b> colombiana. Nació en Medellín el 11 de noviembre de 1907 y murió en Envigado el 4 de diciembre de 2005; hija de Castor María Arango Díaz y de Elvira Pérez. Es la octava hija de una familia tradicional antioqueña de doce hermanos. <br />
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Estudió en el periodo de 1920 a 1960, artes plásticas y pintura en diferentes institutos de Medellín, en la Escuela Nacional de Bellas Artes en México y en el Technical College of Reading, en Londres.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Luego se desempeñó como profesora en el Palacio de Bellas Artes de Medellín, desde 1933, hasta 1935.<br />
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
A lo largo de su vida recibió numerosas condecoraciones y reconocimientos en Colombia por su obra plástica. <br />
<a name='more'></a></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Participó varias veces en el Salón Nacional de Artistas de Colombia, en donde suscitaría numerosas controversias por ser la primera mujer en su país que pintó desnudos en su época, además de retratar importantes políticos como animales, lo que le valió la censura de algunas personalidades, entre ellas la del general Francisco Franco, quien cerró una exposición suya en Madrid en 1955.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Algunas de sus pinturas más reconocidas son: “Las monjas y el cardenal”, “El almuerzo de los pobres”, “El Cristo”, “Huida del convento”, “La monja intelectual”, “En el jardín”, “Bailarina en descanso”, “Los cargueros”, “Los matarifes”, “Clavel rojo” y “La Maruchenga”.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
La pintora donó a la región y al país, por intermedio del Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) en 1987; 233 de sus obras, las cuales pueden ser apreciadas y valoradas actualmente en este museo.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Su obra es clasificada como expresión que busca reflejar: Lo Político, Lo Social, Lo Religioso, La Mujer, Lo Urbano, La Lúdica, desde la concepción y sensibilidad de la artista, según se consigna en el documento “Deborah Arango, patrimonio vivo, patrimonio Artístico”, publicado por el Museo de Arte Moderno de Medellín.<br />
<br />
<br /></div>
</div>
<hr/>rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-62948965498822561342010-10-20T15:37:00.000-07:002010-10-20T15:37:01.184-07:00ARTE EN CENTROAMÈRICA: 1980-2003.<div style="text-align: justify;"><br />
</div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">ÙLTIMAS TENDENCIAS ARTÌSTICAS</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Centroamérica está conformada por siete naciones, que presentan una serie de características comunes en los niveles histórico, político y social. Situado entre dos océanos: el Atlántico y el Pacífico; y en su costado oriental con el mar Caribe y las distintas islas que forman parte de su entorno geográfico y cultural.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Hasta hace poco se definía la región centroamericana como mestiza, católica e hispanohablante, sin considerar al Caribe, multiétnico, pluricultural y multilingüe, donde el español compite con el inglés, además de otros idiomas como el mayangna o el kekchi. Donde la población mestiza lo hace con los garífunas, los creoles y los miskitos y la religión católica con la protestante y la morava. Todo este mosaico étnico, lingüístico y cultural había quedado excluido por el discurso eurocentrista, y contribuía a ensanchar la brecha, Atlántico-Pacífico, que históricamente ha dividido las regiones del istmo.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Tienen en común la herencia de un rico pasado precolombino del que dan testimonio los monumentos mayas de <b> Guatemala</b>, <b>El Salvador,</b> <b>Honduras</b> y <b>Belice</b>; los petroglifos y la estatuaria de <b>Nicaragua</b>; el oro y el jade de <b>Costa Rica</b>, así como la abundante cerámica que define a las distintas regiones del istmo. </div><a name='more'></a><br />
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">También unifica a estos países el legado colonial, producto de una cultura mestiza; que da como resultado un arte igualmente mestizo, conocido como Barroco de Indias (siglos XVII y XVIII). Este nuevo barroco se evidencia en el arte de Guatemala, especialmente en Antigua, su primera capital. La imaginería y la arquitectura barroca también se observa en el resto de países como Nicaragua, Honduras, El Salvador y Costa Rica. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Dependieron de la Capitanía General de Guatemala, a excepción de Panamá que formó parte del Virreinato de Nueva Granada, actual Colombia. Al independizarse en 1821, formaron la Confederación de Estados Centroamericanos, pero Panamá quedó adscrita a Colombia, de quien se independizó en 1903; su incorporación al resto de naciones centroamericanas ha sido tardía. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Belice ha sido un territorio “en litigio”, reclamado indistintamente por México, Honduras, Guatemala y el Reino Unido. No fue colonizada por los españoles, quienes, en 1763, le conceden a los ingleses el derecho a explotar ciertos recursos del territorio. El idioma oficial es el inglés (aunque la mayoría de la población habla español) y dependió del gobierno británico hasta 1981, año de su independencia.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Tras la pesada carga del pasado colonial, en las dos primeras décadas del siglo XX, se inicia un lento proceso de modernización en medio de los conflictos bélicos, la creciente militarización y casi un siglo de continuos regímenes dictatoriales. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Desde 1898 hasta 1989, la región ha padecido constantes dictaduras: Manuel Estrada Cabrera (1898-1920) y Jorge Ubico (1931-1944) en Guatemala; Tiburcio Carías (1932-1949) en Honduras; Maximiliano Hernández Martínez (1931-1944) en El Salvador; la “dinastía” de los Somoza en Nicaragua (1937-1979), sin faltar los gobiernos militares de Omar Torrijos y Manuel Antonio Noriega (1968-1989) en Panamá. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Las consecuencias de las sucesivas dictaduras, la han convertido en una región económicamente vulnerable, desindustrializada y altamente dependiente de los Estados Unidos.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En algunos países como en Nicaragua y Guatemala, el arte producido dentro de ese contexto histórico, ha reflejado la situación de violencia y ha incidido en la formación de grupos artísticos; que repudiaron una realidad que nada tenía que ver con la historia oficial. Tal es el caso del Grupo Praxis, en Nicaragua (1963-1973); el Grupo Vértebra, en Guatemala (1969-1971) y el Taller de la Merced, en Honduras (1974).</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Las dictaduras, las intervenciones, los conflictos bélicos y los constantes desastres naturales, han repercutido en el plano cultural. La ausencia de instituciones culturales y de una política cultural coherente han aumentado su desconocimiento y aislamiento. Su presencia artística y cultural en el ámbito continental e internacional es relativamente reciente y es a partir de la segunda mitad de los años noventa, dentro del marco de la globalización, que se ha logrado una relativa inserción.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Sus valores culturales, hasta hace poco tiempo, estuvieron fundamentados en el mito identitario como “tierra de poetas”, especialmente a Nicaragua, basándose en la trascendencia que en el nivel internacional tuvo la obra de Rubén Darío (1867-1916), a partir del año 1888 con la publicación de “Azul”. Se acrecentó con el Premio Nobel de Literatura otorgado, en 1967, al guatemalteco Miguel Ángel Asturias (1899-1974) por su obra “El Señor Presidente”.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Si la literatura sitúa a Centroamérica dentro del panorama internacional, con las artes visuales no ocurre lo mismo y su inserción es mucho más lenta y tardía, especialmente si la comparamos con países como México, Argentina y Brasil.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En América Central comenzarán a manifestarse los primeros signos renovadores hasta la década de 1940, con la excepción de Carlos Mérida, en Guatemala. Desde el comienzo del siglo, el estilo dominante fue el realismo. Este lenguaje innovador fue propiciado, en gran parte, por el regreso de varios artistas (pintores y escultores) quienes fueron a estudiar a Europa y a su vuelta implementaron nuevas formas de expresión.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En la década de 1960, el arte de América Central comenzó a ser conocido en los Estados Unidos por medio de varias exposiciones implementadas por la Esso Standard Oil (Feria Mundial de Nueva York, en 1964) y por la Corporación Xerox, a partir de 1969.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Fue de especial importancia, la promoción impulsada por José Gómez Sicre, Director del Departamento de Artes Visuales de la Unión Panamericana (actualmente Organización de Estados Americanos, OEA), en Washington DC. Considerado como el “inventor” del Arte Latinoamericano, recorrió todo el continente y organizó diversas exposiciones en Washington durante la década de 1960, y dedicó a Centroamérica una gran exhibición en el año 1966.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En la década de 1970, se opera un auge galerístico y se organizan las bienales centroamericanas, siendo de especial interés la Primera Bienal Centroamericana de Pintura, celebrada en San José, Costa Rica en el año 1971. Sobresalieron de manera especial pintores guatemaltecos y nicaragüenses.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En la década de 1980, debido a la repercusión de la guerra de baja intensidad y a causa de la inestabilidad social, se interrumpen las bienales del istmo pero, en la década de 1990, después de los acuerdos de paz, se va restablecer la comunicación perdida a causa de los conflictos bélicos.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Durante este período de postguerra, las bienales y certámenes cobran mayor apogeo. Continúan las de la Fundación Pàiz, en Guatemala; en Costa Rica, desaparece la Bienal de Pintura Lachner y Sáenz, pero se organiza Bienarte, en 1993, la que continua de forma ininterrumpida hasta el presente. En Panamá, se creó, la I Bienal de Pintura, en 1992 y en Nicaragua, se estableció la Fundación Ortiz-Gurdián la que, desde 1997, está auspiciando las bienales de arte nicaragüense. La presencia de jurados internacionales ha contribuido a una mayor visión crítica y a mostrar cuáles son las tendencias predominantes en el panorama universal.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En la década de 1990, se opera la restauración de las Bienales del Istmo Centroamericano, y se celebra, en Guatemala, la I Bienal de Pintura en 1998, y la segunda en Costa Rica, en el año 2000. A partir del año 2002, las Bienales del Istmo pasaron a ser Bienales de Artes Visuales, rompiendo con la tradición de ser dedicadas exclusivamente a la pintura.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En Costa Rica, con la apertura del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, en 1994, se organizaron las exposiciones Mesòtica Centroamericana I y II, en 1996 Y 1997. Mesòtica II incluyó a los cinco países que, durante la Colonia, formaron parte de la Capitanía General de Guatemala y, por esta razón, no participaron Panamá ni Belice. Esta exposición permitió que el arte se conociera internacionalmente, al exhibirse la muestra en varios países de Europa y Estados Unidos. Todos estos eventos, junto con el Simposio Centroamericano de Prácticas Artísticas, organizado en Costa Rica por Teor/ética en el año 2000, han contribuido a crear un foro cultural, a hallar las coincidencias, a compartir experiencias artísticas diversas y a fortalecer los distintos vínculos culturales partiendo de la diversidad.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Respecto a este intercambio cultural, la desaparición de las fronteras en el terreno del arte se está haciendo cada vez más evidente; por las exposiciones generadas por las bienales, las cuales han contribuido a visibilizar la producción artística de la región, incluso en el nivel internacional. En la 49 Bienal de Venecia del 2001, Centroamérica tuvo una notable presencia como resultado de la visita que realizó Harald Szeeman, (curador de la 49 edición), a Costa Rica, en noviembre del año 2000.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Es “factor común” en Centroamérica que, en casi todas las manifestaciones artísticas y culturales de las dos últimas décadas del siglo XX y los primeros años del siglo XXI (1980-2003), se presente una crítica social a la par de las propuestas estéticas y un rechazo al estereotipo homogenizador del indigenismo, lo primitivo, lo telúrico y lo fantástico como categorías definidoras de identidad cultural.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Dentro del contexto postmoderno, uno de los aspectos más abordados es el de la globalización. Para <b>Gerardo Mosquera</b>, “la globalización, además, implica movimiento, y este movimiento lo ubica en los continuos desplazamientos ocasionados por las constantes migraciones,debidas a causas políticas y económicas”. Esto ha contribuido a transgredir fronteras y descentralizando la cultura, contribuyendo a eliminar el antagonismo; para realizar un intercambio de aportes.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Las manifestaciones artísticas que se dan en el ámbito de la postmodernidad, dentro de las dos últimas décadas del pasado milenio, están marcadas tanto por la transculturación como por una serie de cambios estéticos que influyen en la valoración de la obra de arte. La apropiación, la repetición, la resignificación y la mezcla de formas y estilos, cambian los valores perceptuales; un trabajo artístico se puede hacer con cualquier tipo de material que se estime conveniente y “estamos viviendo en una época donde cualquier cosa puede ser una obra de arte”.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">El auge de la mujer dentro del mundo artístico, especialmente en los años noventa, proporciona una distinta manera de ver y comprender el arte. Esta visión influye en todo el continente americano y también, en América Central.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">También, a partir de los años ochenta se llevaron a cabo diferentes estudios sobre las relaciones del poder y su influencia en la interpretación de la obra de arte. A través de la estructuración del poder patriarcal, se ejerció un control sobre la mujer, excluyéndola del discurso dominante y de la producción artística. Hasta hace poco tiempo, la historia del arte sólo era escrita por hombres. En el caso de Centroamérica, asistimos a la desterritorializaciòn del poder patriarcal en lo que al arte respecta, teniendo la mujer un papel fundamental como sujeto creador de una auténtica vanguardia artística.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">La heterogeneidad cultural, está presente en las últimas tendencias del arte centroamericano. Pese a la ausencia de un apoyo institucional por parte del Estado, característica común en toda Centroamérica, a la falta de museos en la mayoría de los países (a excepción de Costa Rica que tiene la mejor infraestructura), la producción artística ha surgido de la iniciativa individual de cada creador, del apoyo de la empresa privada y de los organismos no gubernamentales, así como de la formación de grupos independientes, ante la ausencia de un programa nacional encaminado a difundir el arte y la cultura. Mónica Kupfer subraya, “pese al cúmulo de dificultades, a lo largo de las últimas décadas y en los años noventa, los artistas centroamericanos más importantes han interpretado la dura realidad de la región y la han criticado en sus obras figurativas y abstractas sirviéndose de instrumentos como el realismo, el simbolismo, la fantasía y el humor”.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En la última década del siglo XX, el arte centroamericano ha estado vinculado a formas de expresión no tradicionales como las instalaciones, las artes performativas, el arte conceptual, el video art, los assembloges…sin abandonar el dibujo, la pintura, el grabado y la escultura. Al mismo tiempo, han abrazado la fotografía como una de las artes visuales más importantes, ya sea documental, manipulada o en fotomontajes pero siempre como arte.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Aunque la mayoría de estos siete países coinciden en el desarrollo de su historia, su sociedad, su política, su dependencia e independencia; cada uno de ellos presenta múltiples particularidades. </div>rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-76865369683790081672010-10-20T15:31:00.000-07:002010-10-20T15:51:14.985-07:00Arte en Nicaragua<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"> </h3><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">INTRODUCCIÒN</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
<b>Centroamérica </b> está conformada por siete naciones, que presentan una serie de características comunes en los niveles históricos, político y social.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Tienen en común la herencia de un rico pasado precolombino del que dan testimonio los monumentos mayas de Guatemala, El Salvador, Honduras y Belice; los petroglifos de Nicaragua; el oro y el jade de Costa Rica, así como la abundante cerámica que distingue a las distintas regiones del istmo. También unifica a estos países el legado colonial. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Desde 1898 hasta 1989, la región ha padecido constantes dictaduras, conflictos bélicos, militarización y desastres naturales, ( excepto Costa Rica, que en 1948 se abolió el ejército y desde entonces es un país democrático). Estas situaciones afectan en el plano cultural y vemos reflejada la violencia en las distintas formas del arte. </div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">NICARAGUA</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En las últimas dos décadas hay que ubicarlo, dentro de sus crisis históricas. En 1980 con el triunfo de la Revolución Sandinista (1979), se forma el Ministerio de Cultura y se crea un programa destinado al rescate y difusión del patrimonio cultural. A pesar de su situación política, floreció un desarrollo artístico multicultural y pluralista. La mujer adquiere especial importancia en este período; surgen las primeras instalaciones, el ensamblaje de objetos encontrados y la escultura con medios no convencionales.</div><a name='more'></a><br />
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Destacan:<b> Denis Núñez </b>(1954), pintura de acción, pinceladas gestuales; universo lúdico y fantástico.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>Ernesto Cuadra</b> (1951), pintor gestual, instalaciones y performances. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>David Ocòn</b> (1949), utiliza la iconografía de la historia y de la cultura popular. También realiza esculturas constructivista con materiales no tradicionales.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>Luis Morale</b>s (1960), se aparta de las técnicas tradicionales y utiliza láminas de metal para crear esculturas y obras bidimensionales con un lenguaje precolombino. Instalaciones, esculturas, dibujo, pintura y fotografía; representa contextos históricos y culturales.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Además de las propuestas individuales, se forman colectivos como “Artefacto” (1992). Es un arte experimental y realizan exposiciones independientes. Los integrantes del grupo y de la revista del mismo nombre son: David Ocòn, Denis Núñez, Raúl Quintanilla, Aparicio Arthola, Patricia Belli y Teresa Codina.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Aparicio Arthola (1951), pintor y escultor neoexpresionista, se caracteriza por su dramatismo y estética anticonvencional.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>Patricia Belli</b> (1964), la más polifacética: pintura y escultura. Assemblage, instalaciones (experimentación conceptual y uso de textiles como material escultórico). Combina materiales no tradicionales como: telas cosidas, espinas o prendas de vestir. Costuras aluden heridas y cicatrices, que llevan un proceso de sanación y regeneración. Con sus muñecas de trapos, cuerdas y poleas; critica los abusos del poder y la instrumentalización del ser humano. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En el neo-vanguardismo, la presencia de la mujer es fundamental: <b>Patricia Villalobos </b>(1965), el tema de la transculturación (alude a su problemática personal, residente en Estados Unidos y a su existencia bilingüe). Grabados, pintura, fotografía y videos instalaciones. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Cristina Cuadra (1966), diversidad de estilos: esculturas metálicas, objetos manufacturados y performances al aire libre, social, colectiva que involucra al espectador.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>María Gallo </b> (1954), su pintura domina el tema de la mujer. Trabaja sus xilografías con collages de papel celofán; usa materiales pobres y no tradicionales. Sus instalaciones tratan el tema de la violencia social.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>Rodrigo González </b> (1965), neo-informalista, sus instalaciones y las pinturas matèricas, aborda el tema del medio ambiente y la marginalidad.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>Reynaldo Fernández Tèfel</b> (1969), propone un nuevo concepto de la pintura; cuestiona el límite de lo manual y los soportes convencionales. Explora el problema de la transculturación.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Javier Valle (1973), su pintura es más tradicional, afín al surrealismo.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>Alicia Zamora </b> (1978), sus grabados y xilografías es neo-expresionista, usuaria de soportes no tradicionales. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">La Fotografía, adquiere su mayor desarrollo en la década de 1980, dentro del contexto revolucionario. Debido al impacto y poder comunicativo de las imágenes. El género documental y el fotoperiodismo, toman un gran auge; aparecen notables artistas en su mayoría mujeres.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Destacan: Margarita Montealegre (1956), fotoperiodismo. Celeste González (1954), fotografía digital. Sobresalen de manera especial; María José Álvarez (1955) y Claudia Gordillo(1954), llevan a cabo un rescate antropológico, artístico y cultural de la costa Caribe nicaragüense.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En el año 2001, surgió TAJo (Taller de arte joven). Su principal impulsora es Patricia Belli. Uno de los principales objetivos de ella es “construir capacidades críticas en artistas jóvenes y fomentar una visión del arte generadora de cuestionamientos estéticos, sociales, políticos y culturales”. Entre sus proyectos más recientes es el desarrollo de un arte público, en las calles de Managua; para que el arte salga de los museos y galerías y llegue a formar parte de la vida diaria.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En el 2003 estos artistas menores de 30 años recibieron un merecido reconocimiento en la IV Bienal Nicaragüense de Artes Visuales; Wilbert Carmona (1983), fue el ganador del primer lugar. Las obras de Luzby Martínez (1972) y Valentina Bosio (1981) fueron valoradas positivamente. Figuran entre los nuevos valores, Rodrigo Pacheles pasos (1981) y Ernesto Salmerón Castro (1977). Todos ellos son usuarios del Video, los performances, el arte conceptual y las multimedia.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">CONCLUSION </h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">La diversidad cultural está presente en las últimas tendencias del arte centroamericano. Pese a no recibir apoyo del estado, carencias de museos en la mayoría de los países (excepto Costa Rica que tiene la mejor infraestructura); la producción artística ha surgido de la iniciativa individual de cada artista, el apoyo de la empresa privada, organismo no gubernamentales (ONG) y grupos independientes.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Se expresa por medios no tradicionales, como las instalaciones, las artes performativas, el arte conceptual, el video art, los ensamblages; pero también trabajan el dibujo, la pintura, el grabado y la escultura.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">La fotografía es una de las artes visuales más importante; ya sea documental, manipulada o en fotomontaje.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Aunque estos países coinciden en historia, sociedad y política; cada uno de ellos presenta muchas particularidades en sus manifestaciones artísticas.</div>rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-52152596148509330212010-10-20T15:25:00.000-07:002016-05-26T11:41:22.737-07:00José Francisco Alvarado Abella<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<b><br /></b></div>
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<a href="https://4.bp.blogspot.com/-Pw68CQvaA_k/V0dDFAdbafI/AAAAAAAAJUI/bjGAQnCWym4BVbbIbrqq0ikw8jcsbCa7QCLcB/s1600/Jos%25C3%25A9%2BFrancisco%2BAlvarado%2BAbella.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-Pw68CQvaA_k/V0dDFAdbafI/AAAAAAAAJUI/bjGAQnCWym4BVbbIbrqq0ikw8jcsbCa7QCLcB/s320/Jos%25C3%25A9%2BFrancisco%2BAlvarado%2BAbella.jpg" width="217" /></a></div>
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<b><br /></b></div>
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<b>José Francisco Alvarado Abella</b> nació en Puerto Limón (Costa Rica), el 2 de octubre de 1929 y murió en San José (Costa Rica), el 26 de noviembre del 2001.</div>
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<br /></div>
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La escuela primaria la inició en Puerto Limón y sus estudios secundarios en el Colegio Seminario. En 1949 ingresó a la Universidad de Costa Rica, a la Facultad de Odontología para tomar las clases de anatomía (exigidos en los estudios de artes plásticas de la Universidad de Florencia, Italia).</div>
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<br /></div>
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Sus estudios académicos de pintura los inició a los nueve años, en el anexo de la facultad de Bellas Artes (Universidad de Costa Rica), en Italia estudió en la Academia de San Marcos, Florencia (cuatro años). Luego viajó a Cuba donde estudió decoración (medalla de plata) y por último en México donde realizó estudios de escultura y arquitectura. Fue durante su estadía en este país donde conoció a la que sería su esposa por 46 años, Edith Yglesias (costarricense de vacaciones en ese país).</div>
<a name='more'></a></div>
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En el certamen anual Juegos Florales de 1963, su obra fue expuesta con el grupo de tendencia moderna. Aunque su aprendizaje artístico fue en un principio académico, posteriormente estudió en Italia y México, países donde se pone en contacto con las nuevas corrientes pictóricas informalistas que marcaron la obra de su primera época.</div>
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<br /></div>
</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
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La abstracción y la figuración fueron las corrientes sobre las cuales versó su obra. La figuración utilizada con un lenguaje más contemporáneo fue una de sus facetas, pero también se puede ubicar dentro de la corriente figurativa hiperrealista, que manejaba con una factura impecable ya sea al óleo o con técnicas mixtas, de las que fue un innovador, ya que su búsqueda de nuevos medios de expresión plástica fue constante. Aunque la temática de su trabajo es variada, es la sensualidad la que marca casi toda su obra plástica de las últimas tres décadas.</div>
</div>
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<br /></div>
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Se podría afirmar en el caso de <b>José Francisco Alvarado Abella</b> que, tanto la pintura como la enseñanza, fueron producto de una necesidad vital de expresión. Se destacó en su papel como profesor en la Casa del Artista y la Escuela de Bellas Artes, pero sobre todo a través de la escuela Esempi, que funda en 1955 para la enseñanza del arte. Posteriormente, introduce como parte del currículum de esta escuela las artesanías y la decoración de interiores, siendo un pionero en este campo.</div>
</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
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<br /></div>
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“Más que pintar para vivir, Francisco Alvarado Abella vivía para pintar”. Lo hizo hasta el último instante de su existencia y prueba de ello es la prolífica obra que hoy forma parte de su legado. La experiencia adquirida durante años de intensa producción le permitieron pintar sus cuadros en tiempo récord con asombrosos resultados. Siempre tenía material de sobra para sus exposiciones.</div>
</div>
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<br /></div>
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Con más de sesenta años de carrera artística, Alvarado abarcó varios géneros como desnudos, paisajismo, bodegones y algunas obras abstractas, todos ellos elaborados con variedad de técnicas. Durante los últimos años de su vida observó una preferencia por el paisaje erótico. </div>
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<br /></div>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><img border="0" height="242" src="https://2.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL9ry7ZmuVI/AAAAAAAABmk/B5HOBSELcHQ/s320/Jos%C3%A9+Francisco+Abella.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" width="320" /></td></tr>
<tr align="center" style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><td class="tr-caption">Pintura de José Francisco Abella</td></tr>
</tbody></table>
<h3 style="font-family: arial, helvetica, sans-serif; text-align: left;">
ANALISIS</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
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Es una pintura surrealista. En ella observamos en primer plano, el cuerpo desnudo de una mujer, con cabeza de pájaro; un ala blanca (el aporte luminoso a la composición) saliendo de un costado sustituye el brazo. El cabello al viento por detrás se unifica con unas ramas, lo cual le presta mucho movimiento a la composición. </div>
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<br /></div>
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Creo que el artista en esta pintura resalta ser libre (“No me interesa los premios, gozo tanto pintando que ese es el premio” decía él), en la figura del ave.El fondo rojo saca el cuerpo hacia afuera. Es sensual por lo que podemos ubicarlo entre los trabajos de sus últimos años. </div>
</div>
</div>
<hr />
</div>
rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-5988503812717532622010-10-20T10:41:00.000-07:002016-05-26T11:47:23.330-07:00EL ARTE DEL PERIODO BARROCO<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-N677BDzw3C8/V0dEgMVfeVI/AAAAAAAAJUU/fSKqE_5rpRgjVUGaLg-CCs-ktzirqOoYwCLcB/s1600/arte-barroco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-N677BDzw3C8/V0dEgMVfeVI/AAAAAAAAJUU/fSKqE_5rpRgjVUGaLg-CCs-ktzirqOoYwCLcB/s320/arte-barroco.jpg" width="260" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<b>El barroco</b> fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la influyente Iglesia Católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma protestante.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Principalmente impulsada por <b>Martín Lutero</b> (Alemania 1483-1546); fue un teólogo, fraile católico agustino recoleto y reformador religioso alemán, en cuyas enseñanzas se inspiró la Reforma Protestante. Inauguró la doctrina teológica y cultural denominada luteranismo e influyó en las demás tradiciones protestantes.</div>
<a name='more'></a><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Su exhortación para que la Iglesia regresara a las enseñanzas de la Biblia; impulsó la transformación del cristianismo y provocó la Contrarreforma, como se conoce a la reacción de la Iglesia Católica Romana frente a la Reforma protestante. El joven Lutero se dedicó por completo a la vida del monasterio, empeñándose en realizar buenas obras con el fin de complacer a Dios y servir a otros mediante la oración por sus almas. Se dedicó con intensidad al ayuno, a las flagelaciones, a largas horas en oración, al peregrinaje y a la confesión constante. Estudió las Escrituras a profundidad, la Biblia y la Iglesia Primitiva. Estaba convencido que la Iglesia había perdido la visión de varias verdades centrales que el cristianismo enseñaba en las Escrituras. Se dio cuenta entre otras cosas; de los efectos de ofrecer indulgencias (remisión parcial o total del castigo temporal que aún se mantiene por los pecados después de que la culpa a sido eliminada por la absolución). En aquella época, cualquier persona podía comprar una indulgencia, ya fuera para si misma o para sus parientes muertos que permanecían en el Purgatorio; dejando de lado la confesión y el arrepentimiento verdadero. El Papa lo acusó de herejía ( error en materia de fe, sostenida con pertinacia). Condenaba la avaricia y el paganismo en la Iglesia como un abuso. Su matrimonio con Catalina Bora en 1525, inició un movimiento de apoyo al matrimonio sacerdotal dentro de muchas corrientes cristianas.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
La corrupción se estaba introduciendo en la Iglesia Católica, y para mejorar el ejercicio de este gobierno, las altas esferas eclesiásticas dominantes en Roma hubieron de depurar su cúpula. Este estado de cosas trae importantes consecuencias sobre el arte desde el primer momento. La Iglesia, antes que las monarquías absolutistas; fue la primera en comprender el poder ilimitado del arte como vehículo de propaganda y control ideológico. Por esta razón contrata grandes cantidades de artistas; a los mejores pero también a muchos de segunda fila, que aumentan los niveles de producción para satisfacer las demandas de la gran base de fieles. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Se exige a todos los artistas que se alejen de las elaboraciones sofisticadas y de los misterios teológicos, para llevar a cabo un arte sencillo, directo, fácil de leer, que cualquier fiel que se aproxime a una iglesia pueda comprender de inmediato. Los personajes han de ser cercanos al pueblo: los santos dejan de vestir como cortesanos para aparecer casi como pordioseros, con rostros vulgares. El énfasis de la acción ha de colocarse sobre el dramatismo: la consigna fue ganar al fiel a través de la emoción. Las escenas se vuelven dinámicas, lejos del hieratismo intemporal de los estilos anteriores. Las composiciones se complican para ofrecer variedad y colorido. Las luces, los colores, las sombras se multiplican y ofrecen una imagen vistosa y atrayente de la religión y sus protagonistas.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Fuera del patrocinio de la Iglesia, los mecenas privados se multiplican: el afán de coleccionismo incita a los pintores a llevar a cabo una producción de pequeño o mediano formato para aumentar los gabinetes de curiosidades de ricos comerciantes y alta nobleza.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Cómo estilo artístico el barroco surgió a principios del s.XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (s.XVIII y XIX) el término barroco tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional. Después fue usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación.</div>
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
EL Barroco como movimiento cultural.</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
El barroco expresó nuevos valores. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del Romanticismo que del Renacimiento, aún cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países. El dolor psicológico del hombre, se puede encontrar en el arte barroco en general. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Cada una de las Bellas Artes tiene representantes en este movimiento cultural:</div>
<ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<li>En Música sobresalen <b>Antonio Vivaldi</b> y <b>Johann Sebastián Bach</b>.</li>
<li>En Literatura española,<b> Luis de Góngora</b> y <b>Francisco de Quevedo y Villegas</b>; en literatura española americano destaca principalmente <b>Sor Juana Inés de la Cruz.</b></li>
<li>En Pintura italiana están <b>Caravaggio</b>, <b>Pietro da Cortona</b> y los <b> Carracci</b>.</li>
<li>En la Escultura italiana el exponente más célebre del barroco es <b>Bernini.</b></li>
<li>En la Arquitectura:<b> Bernini y Barromini. </b></li>
</ul>
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
MÚSICA</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
La música barroca, abarca desde el nacimiento de la Opera en el s.XVI (aproximadamente en 1585) hasta la mitad del s.XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<i><b>Formas vocales:</b></i></div>
<ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<li><b>Ópera</b>: poema dramático, con acompañamiento de música y cuyo texto es todo cantado.</li>
<li><b>Oratorio</b>: drama musical de asunto religioso.</li>
<li><b>Cantata</b>: composición poética cantable.</li>
<li><b>Pasión</b>: </li>
</ul>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<i><b>Formas instrumentales:</b></i></div>
<ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<li><b>Fuga:</b> composición que gira sobre un tema repetido en diferentes tonos.</li>
<li><b>Suite:</b> serie de piezas instrumentales escritas en el mismo tono.</li>
<li><b>Sonata:</b> composición de música instrumental, compuesta de tres y a veces cuatro trozos de carácter diferente.</li>
<li><b>Concerto grosso:</b> concierto para más de 2 solistas, acompañados por la orquesta.</li>
</ul>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Autores importantes:</b> A.Vivaldi, S.Corelli, T.Albinoni, J.S.Bach, H.Purcell, G.H.Händell, P.Rameau.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
LITERATURA</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
El <b> barroco</b> trae consigo una renovación de técnicas y de estilos. Es abundante el uso de la Metáfora y la Alegoría.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Los poetas barrocos del siglo XVII, siguieron mezclando estrofas tradicionales con las nuevas, así cultivaron el terceto, el cuarteto, el soneto y la redondilla. Se sirvieron de copiosas figuras retóricas de todo tipo, buscando una disposición formal recargada. No supone una ruptura con el clasicismo renacentista, en busca de una complicación ornamental, en busca de la exageración de los recursos dirigidos a los sentidos, hasta llegar a un enquistamiento de lo formal.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En este siglo XVII en que aparece el movimiento barroco se intensifican los tópicos que ya venían dándose en el Renacimiento, pero en especial más negativos: fugacidad de la vida, rapidez con que el tiempo huye, desaparición de los goces, complejidad del mundo que rodea al hombre, etc.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
La Literatura del s.XVI se expresaba en un estilo sereno y de equilibrio; el barroco del s.XVII viene a desestabilizar esa serenidad y diversas fuerzas entran en conflicto. Estas características se dan en toda Europa y en cada país toman un nombre diferente:</div>
<ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<li>Eufuismo le llaman los poetas ingleses.</li>
<li>Preciosismo en Francia.</li>
<li>Marinismo en Italia.</li>
</ul>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
ESCULTURA</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaba despertar la fe del pueblo.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Características generales: </b></div>
<ol style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<li>Tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en lo más sublimes como los más vulgares.</li>
<li>Realización de esquemas libres del geometrismo. Se proyecta hacia afuera. Se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.</li>
<li>Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo (reducción del largo de una figura, según la regla de la perspectiva) y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.</li>
<li>Se utiliza preferentemente la madera, el mármol, etc. </li>
</ol>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En Italia, la cuna del arte barroco, destaca el escultor <b> Gian Lorenzo Bernini,</b> que domina con perfección la técnica que aprendió de su padre Pietro Bernini, escultor manierista, y el estudio de los modelos clásicos y renacentistas. Eclipsó al resto de artistas y fue considerado el Miguel Ángel del s.XVII. Acostumbraba a representar las figuras de sus obras en el momento de máxima tensión y a usar el desnudo en sus composiciones. Bernini es el intérprete de la Contrarreforma católica. Posee fuertes influencias helenísticas. Su escultura se caracteriza por la teatralidad compositiva, que resuelve en escenas. Es un gran arquitecto, por lo que pone la escultura al servicio de la arquitectura.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
La influencia de Bernini se extiende al s.XVIII con escultores como Pietro Bracci: Fontana de Trevi, Triunfo de Neptuno; Fillippo della Valle: Anunciación; Camilo Rusconi: Juan, en San Juan de Letrán, o René Michel Slodtz: San Bruno.</div>
<br />
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
ARQUITECTURA</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Se desarrolla desde el principio del s.XVII hasta dos tercios del s.XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes. Juega un papel muy importante creando un ambiente propicio de una ciudad rica, justamente la pretensión de los artistas barrocos. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
El paradigma de este estilo se halla en las reconstrucciones del Versalles. Los materiales de construcción son pobres sin ningún valor, pero dan la sensación de monumentalidad y majestuosidad sinuosa de la arquitectura barroca. Se juega un poca con la falsedad, aunque eso no quiere decir que no se emplearan materiales ricos. De hecho surgieron las Manufacturas reales donde se manufacturaron productos de calidad como el vidrio de Carrá, las alfombras pérsicas, las cerámicas u otros. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
El grandiosismo es una cualidad típica Barroca que está claramente reflejada en la Plaza de San Pedro. Los arcos se utilizan de formas variadas y las cúpulas son el elemento por excelencia del arte Barroco.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
PINTURA</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más características del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Se caracteriza por el gran drama, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. Pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro. La luz se convierte en un elemento fundamental.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran: Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Hals, Vermeer, Velázquez y Poussin. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>CARAVAGGIO (Miguel Ángel Merisi)</b>: Célebre pintor italiano 1573-1610. Su estilo atrevido y crudo, pero vigoroso; lo convierte en uno de los maestros del realismo. Sobresalió en el claroscuro. “Baco” es su obra más famosa; en “La conversión de San Pablo”, Caravaggio confirma su maestría en el manejo de la luz.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
REMBRANDT (Harmenszoon Van Rijn). Pintor y grabador holandés 1606-1669. Su obra se compone de unos 350 cuadros y el mismo número de aguafuertes (lámina o grabado al aguafuerte). Uno de los más grandes pintores de todas las épocas; por la riqueza deslumbrantes de su pincel, la delicada armonía de sus composiciones, la maestría de los efectos de la luz y los dramáticos claroscuro, y por la intensidad y realismo de las figuras. Entre sus obras encontramos: “Tobías y su familia”; “El Samaritano”; “Los peregrinos de Emaús”; “Ronda nocturna”; “Lección de anatomía”; “Los Girasoles”; autorretratos etc.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>RUBENS (Pedro Pablo)</b>, pintor flamenco 1577-1640 que se distingue por la libertad de su técnica portentosa, maestría en el dibujo y alegre cromatismo. Desempeñó misiones diplomáticas en España y pintó para Felipe IV. Influyó poderosamente en la pintura flamenca de su siglo. Entre sus obras podemos citar: “El descendimiento de la Cruz”; “San Jerónimo”; “Retrato de Elena Fourment”; “Descanso en la huida a Egipto”; “El juicio de París”; “Las tres Gracias”; “La adoración de los Reyes”; “Felipe III a caballo” etc.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>HALS (Frans)</b>, pintor flamenco 1580-1666. Autor de retratos y de cuadros de costumbres; tratados con espontaneidad, con coloridos osados. Sus obras se conservan en Haarlem donde vivió. Obras: “Pareja de esposos”; “La milicia cívica de San Jorge (y San Adrián)”; “Las rectoras y los (rectores,) del asilo de ancianos”; “La cíngara o La Gitanilla”, el más conocido de sus retratos de tipos populares, uno de los mejores conservados y sin embargo uno de los más desconocidos, por el público. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
VERMEER (Juan), llamado también Van der Meer, pintor holandés 1632-1675, uno de los más grandes pintores del s.XVII; autor de paisajes (“Vista de Delft”), hermosos interiores y de algunos retratos (“La encajera”).</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>VELAZQUEZ (Diego Rodríguez De Silva)</b>, pintor español nació en Sevilla 1599-16660. Estudió dos veces en Italia, donde asimiló la técnica de los grandes maestros, sin perder por ello su estilo propio. Retratista atrevido, autor de obras de maravillosa ejecución, de colorido y relieve admirables. Velázquez es el pintor más original y perfecto de de la escuela española. Entre sus obras más notables merecen citarse: “Los Borrachos”; “Las Hilanderas”; “Las Meninas”; “La Rendición de Breda”; “La adoración de los Magos”; “La fragua de Vulcano”; “La Venus del espejo”, los retratos de Felipe IV, de las Infantas, de Inocencio X etc. Fue pintor de la Corte de España.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>POUSSIN (Nicolás)</b>, pintor francés 1594-1665. Influido al principio por Tiziano, evolucionó más tarde hacia un clasicismo cada vez más puro. Su influencia fue considerable en el s.XVII. Algunas de sus obras son: “Los pastores de Arcadia”; “Bacanal”; “La Primavera”; “Santa Cecilia” etc.</div>
</div>
rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-634781057757596942010-10-20T10:24:00.000-07:002010-10-20T10:28:15.805-07:00El Arte de París a Nueva York<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: right;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">El director del Museo del Prado fue el primero en 1937 en tender el puente entre Europa (París) y los Estados Unidos. Sin embargo, el centro artístico se le consideraba todavía a París a pesar de los sucesos que la estaba encaminando a su muerte. Claro está, que este cetro no quería ser entregado con facilidad a los americanos.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Fue por esto que se acogió a artistas americanos a que expusieran en París, siendo un gran error por su fatal aceptación. Ya eran muchos años de reinado y el cambio no era fácil, se buscaba que los americanos compraran obras de europeos y no de sus compatriotas y sobre todo que compraran obras de franceses. Para un artista europeo era más fácil encontrar un comprador americano, pero no lo era tanto para uno de su mismo país.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">“New York, New York!”</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Para los europeos perseguidos, América era el paraíso. Un país joven, dinámico, en progreso continuo y habitado por personas de diversas nacionalidades. Un país en que el arte contemporáneo tenía el terreno abonado:</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">1913 con la exposición Armory Show que dio a conocer el arte moderno europeo, allí estaban Rousseau, Cézanne, Matisse, Van Gough, Gauguin, Picasso, Duchamp, Kandisky y Kircher.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Atraídos por la libertas, los europeos fueron llegando a Nueva York:</div><ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><li>1939 Salvador Dalí</li>
<li>1940 Piet Mondrian</li>
<li>1941 Max Ernst</li>
<li>Etc.</li>
</ul><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">La acogida americana fue buena. Ya en 1942 Pierre Matisse, el hijo del pintor, que era marchante en Nueva York, organizó para ellos una exposición en su galería: “Artistas en el exilio”. Ese mismo año, Peggy Guggenheim abrió Arte de este siglo que se convertía en el hogar del nuevo arte y los nuevos artistas americanos.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Para 1942 fue el MOMA, Museo de Arte Moderno, que colaboró en esta tarea de acogida, creando un Comité de Rescate Internacional para acoger artistas europeos.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">La disposición de los americanos respecto a los europeos que llegaban era buena. Ya para principios de los años cuarenta (sin contar las guerras u otros conflictos) estaba claro que Nueva York era suficientemente cosmopolita como para sustituir a París.<br />
<br />
<a name='more'></a><br />
<h3>El magisterio Europeo</h3><br />
Este movimiento en América se caracterizó por seguir dos líneas la racional y la emocional, pero el aprendizaje del constructivismo y surrealismo, gracias a sus inicios en Europa y a las enseñanzas de Josef Albers y Hans Hofmann, quienes transmitieron sus logros en la vanguardia Europea.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Josep venía de la Bauhaus en Alemania donde fue estudiante y profesor, antes de emigrar a América quería enseñar a abrir los ojos, por su interés en la geometría, diseño y color marca el origen de la Abstracción Americana. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Hans por su parte enseñaba en New York desde 1930, nacido en Baviera aprendió de Matisse, Picasso, Gris y Braque, trayendo sus influencias hasta América, funda Provincetown, una escuela de arte en Massachusetts en el año 1934, marcando un cambio para la pintura y expresionismo abstracto de los años 30, realizando exposiciones como la de 1944 en la galería Peggy Guggenheim. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Pero no solo ellos influyeron en el surrealismo Max Ernst denominado como un niño mimado en los museos y la sociedad, Dalí un excéntrico Fovista al que se le permitía todo, Roberto Matta siendo este el que más interés despertaba entre todos y André Masson considerado como el surrealista más gestual y el que más atención prestaba al autonomismo psíquico y a la cualidad de la materia y su influencia fue decisiva para artistas como Arshile Gorky.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">El MOMA</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Se encuentra en la ciudad de Nueva York; este museo jugó un papel decisivo en el nuevo arte norteamericano. Inaugurado en 1929, se erigió en defensor del nuevo arte, distanciándose de la tiranía parisina. Al principio sus intereses se centraron en el arte moderno europeo; pero a finales de los años treinta y en los cuarenta cambió de orientación.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En Nueva York se libró una batalla por el liderazgo cultural entre el MOMA y el MET (Metropolitan Museum). Este último, más antiguo, defendía el arte académico norteamericano, y con un desprecio absoluto por el arte moderno y su museo (MOMA). El MOMA era apoyado por los nuevos ricos como Rockefeller y tenía una orientación más abierta, liberal y representaba el futuro de América. Por eso, el MOMA ganó la batalla, promocionando el arte de vanguardia y se erigió como líder artístico y cultural de la ciudad y del país. En este museo podemos encontrar obras de Van Gogh, Picasso, Dalí, Andy Warhol y muchos más.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Peggy Guggenheim</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Peggy Guggenheim (1898-1979). Nació en Nueva York, en una familia de dinastía de magnates. Vivió muchos años en Europa. En 1942, abrió en la ciudad de Nueva York, el (Art of This Century) un local que hacía las veces de galería privada y museo público, con obras de la colección que había reunido en Europa y cuadros de artistas norteamericanos marginados. Representaba como el MOMA; la salvación de la cultura europea, del arte de vanguardia por Estados Unidos. Al mismo tiempo luchaba contra la barbarie del genocidio de Hitler; ella era de origen judío.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Tenía dinero y prestigio, para ofrecer a los artistas europeos emigrados y a los jóvenes norteamericanos un lugar donde dar a conocer sus obras al público. Para los jóvenes artistas norteamericanos, era un gran orgullo ver sus cuadros colgados junto a los europeos más prestigiosos como Picasso y Leger. Se rodeo de buenos consejeros, tanto artistas como gente de museos. Luego contó con la ayuda de otra galería, también de otra mujer, Betty Parsons (1900-1982) que se empeñó en la misma lucha por el arte moderno y en defensa de los artistas norteamericanos. Era de la alta sociedad y pintora; estaba muy bien relacionada con los posibles compradores de arte moderno, con el MOMA y las revistas más influyentes. Abrió su galería, (Betty Parsons) en 1946. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Expresionismo más abstracción</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Después de la Segunda Guerra Mundial se da un auge en la abstracción. Es diferente en unos lugares y en otros. En Europa se le llama arte informal y en Norteamérica se le llama expresionismo abstracto.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En él vivían un grupo importante de surrealistas y artistas procedentes de la Bauhaus, que hacían obras de carácter racionalista. Este nuevo movimiento es el primero que viaja de América a Europa.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Arshile Gorky</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Tradujo la pintura europea a América. Hizo un recorrido por los principales artistas de vanguardia y los incorporó en sus obras: Cézanne, Picasso y Miró, fueron sus inspiraciones. Arranca del irracionalismo de los surrealistas, inventa un nuevo vocabulario de signos, una iconografía nueva.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En sus pinturas hay una doble lectura: figurativa y abstracta. El color depende el dibujo y ocupa los espacios vacíos que él deja, utiliza una pasta muy diluida, que alcanza la calidad de la acuarela.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Comienza a darse elementos del expresionismo abstracto en sus obras: la presencia y la fuerza de lo primitivo y la idea del cuadro que no se acaba.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Wilem de Kooning</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">No abandona el lenguaje del expresionismo, pero lo descarga de significado, le quita protesta y agresividad. Sustituye el Expresionismo Figurativo por un Expresionismo Abstracto, que no se interesa por las contradicciones o la injusticia del mundo, sino por la angustia del ser humano.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En pleno apogeo de la abstracción introduce la figura e inicia un tema que será esencial en su pintura, las Mujeres. A medio camino entre la abstracción y la figuración, esas Mujeres fuertemente expresivas y amenazadoras, descoyuntadas en mil trozos y colores, parecen un cruce de diosas primitivas de la fertilidad y pintadas callejeras obscenas.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Poco después siguió con referencias naturalistas en sus cuadros, esta vez de paisajes</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Mark Tobey</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Partiendo de una base diferente; la caligrafía oriental. Empezó interesándose por la pintura de los indios. Luego se convierte al budismo. Partiendo del conocimiento profundo del arte de Extremo Oriente, se interesa por la caligrafía oriental; los signos, a los que despoja de su significado tradicional, para quedarse solo con ellos, como palabras que pierden el sentido y mantienen únicamente el sonido, haciéndose así repetibles hasta el infinito y dando lugar a una trama o un laberinto de signos blancos y filiformes, casi iguales, les llamo: <b>Escrituras Blancas</b>.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Su meta era armonizar las culturas oriental y occidental.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Descontento con la perspectiva tradicional y el espacio renacentista excesivamente represor, Tobey busca una nueva libertad que le permita abordar los temas que le interesan: las grandes ciudades modernas bullendo de gente que va de un lado a otro , como hormigas atareadas o como signos chinos.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Tobey no es un pintor de acción, sino es de meditación. La línea que él inaugura, de atención a las raíces profundas del arte oriental, es una de las mas productivas en la segunda mitad del s. XX.</div>rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-74184861354817472292010-10-20T10:17:00.000-07:002010-10-20T10:17:19.262-07:00Museo de Arte Moderno Nueva York<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA)</h3><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8jVhpKrnI/AAAAAAAABmc/emKXxvIaWqo/s1600/Museo+Arte+Moderno.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="195" src="http://1.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8jVhpKrnI/AAAAAAAABmc/emKXxvIaWqo/s320/Museo+Arte+Moderno.JPG" width="320" /></a></div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Se encuentra en la ciudad de Nueva York; este museo jugó un papel decisivo en el nuevo arte norteamericano. Inaugurado en 1929, se erigió en defensor del nuevo arte, distanciándose de la tiranía parisina. Su misión era servir a la élite cultural y artística; y a través de ella llegar al gran público.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Al principio sus intereses se centraron en el arte moderno europeo; pero a finales de los años treinta y en los cuarenta cambió de orientación.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En Nueva York se libró una batalla por el liderazgo cultural entre el MOMA y el MET (Metropolitan Museum). Este último, más antiguo, era el museo de las grandes familias americanas. Defendía el arte académico norteamericano, nacionalista y con un desprecio absoluto por el arte moderno y su museo <b>(MOMA)</b>. El MOMA era apoyado por los nuevos ricos como Rockefeller y tenía una orientación más abierta, liberal y representaba el futuro de América. Por eso, junto a los internacionalistas, el MOMA ganó la batalla, promocionando el arte de vanguardia y se erigió como líder artístico y cultural de la ciudad y del país.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"></div><a name='more'></a><br />
<br />
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Peggy Guggenheim</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"></div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>Peggy Guggenheim</b> (1898-1979). Nació en Nueva York, en una familia de dinastía de magnates. Vivió muchos años en Europa. En 1942, abrió en la ciudad de Nueva York, el (Art of This Century) un local que hacía las veces de galería privada y museo público, con las obras de la colección que había reunido en Europa y cuadros de artistas norteamericanos marginados. Ella representaba como el MOMA; la salvación de la cultura europea, del arte de vanguardia por Estados Unidos. Al mismo tiempo que luchaba contra la barbarie del genocidio de Hitler; ella era de origen judío.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Tenía el suficiente dinero y prestigio, para ofrecer a los artistas europeos emigrados y a los jóvenes norteamericanos un lugar donde dar a conocer sus obras al público. Para los jóvenes artistas norteamericanos, era un gran orgullo ver sus cuadros colgados junto a los europeos más prestigiosos como Picasso y Leger. Ella con un magnífico olfato para los negocios, se rodeo de buenos consejeros, tanto artistas como gente de museos: Duchamp, Alfred Barr, Herbert Read, Sweeney o Soby, entre otros.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Luego contó con la ayuda de otra galería, también de otra mujer, Betty Parsons (1900-1982) que se empeñó en la misma lucha por el arte moderno y en defensa de los artistas norteamericanos. Era de la alta sociedad y pintora; se había fugado a París para ser artista y estaba muy bien relacionada tanto con los posibles compradores de arte moderno, como con el MOMA y las revistas más influyentes. Abrió su galería, (Betty Parsons) en 1946. Cuando Peggy Guggenheim cerró Art of This Century, en 1946, solo Betty se atrevió quedarse con Pollock. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8kAXAVKwI/AAAAAAAABmg/6m-3VnMurTw/s1600/Museo+Arte+Moderno2.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://1.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8kAXAVKwI/AAAAAAAABmg/6m-3VnMurTw/s320/Museo+Arte+Moderno2.JPG" width="304" /></a></div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div>rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-73138003233422246562010-10-20T10:06:00.000-07:002010-10-20T10:06:48.646-07:00Pintura Francesa Siglo XIX-Siglo XX<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Generalidades</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"></div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">El siglo XIX, es el siglo de la gran pintura francesa. París se convierte en un referente artístico de primer orden. Siglo XIX y principio del XX: violentos cambios sociales. El arte sigue el mismo ritmo.</div><ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><li>Triunfa la pintura independiente.</li>
<li>Rechaza imitación de lo anterior.</li>
<li>Expresa el propio sentir estético.</li>
<li>Pierde importancia el asunto pictórico.</li>
<li>El tema religioso se convierte en anécdota.</li>
<li>Se cultiva el retrato, bodegón y paisaje.</li>
<li>Siglo XX: Movimiento de independencia:</li>
<li>Busca formas y técnicas nuevas.</li>
<li>Snobismo de la originalidad.</li>
<li>Transformaciones del Impresionismo.</li>
</ul><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"></div><a name='more'></a><br />
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Neoclasisismo</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Apogeo durante Revolución Francesa y período napoleónico.</div><ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><li>Estetica austera, fría y grandiosa.</li>
<li>Se inspira en la Antigüedad (estatuas).</li>
<li>Tiene un sentido social.</li>
<li>El dibujo adquiere importancia.</li>
<li>Idealiza la naturaleza.</li>
<li>Busca el efectismo y la teatralidad.</li>
</ul><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><span style="font-size: small;"><span style="color: black; font-weight: bold;">JACQUES LOUIS DAVID </span></span></div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><i>DATOS BIOGRAFICOS:</i></div><ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><li>Nace en París.</li>
<li>Estudia con Boucher.</li>
<li>Obtiene Premio de Roma (1774).</li>
<li>Pintor del Rey.</li>
<li>Toma parte en las jornadas revolucionarias.</li>
<li>Napoleón le nombra su pintor. Muere desterrado en Bruselas.</li>
</ul><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><i>Características de su obra</i><i>:</i></div><ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"></ul><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><ul><li>Academicismo frío y sistemático.</li>
<li>Arte formulario (historia y mitología).</li>
<li>Glorifica acontecimientos políticos.</li>
<li>Dibujo perfecto, minucioso.</li>
<li>Composición hábil (encuadramientos naturales).</li>
<li>Caracteriza los personajes (obras oficiales).</li>
<li>Obras: </li>
<li>Grecolatinas: Elegancia. Dibujo firme. Poses estudiadas.</li>
<li>Nacionales: Realidad y entusiasmo. Personajes solemnes.</li>
<li>Retratos.</li>
</ul><br />
<ul></ul><div class="separator" style="clear: both;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8gDxSp0qI/AAAAAAAABmU/VPHUAyVgWrs/s1600/pintura_francesa.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="75" src="http://1.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8gDxSp0qI/AAAAAAAABmU/VPHUAyVgWrs/s320/pintura_francesa.JPG" width="320" /></a></div></div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8ginAGsDI/AAAAAAAABmY/SndcRMsg2mk/s1600/pintura_francesa2.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="142" src="http://2.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8ginAGsDI/AAAAAAAABmY/SndcRMsg2mk/s320/pintura_francesa2.JPG" width="320" /></a></div></div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"> <span style="font-size: small;"><span style="color: black; font-weight: bold;"> </span></span><br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="color: black; font-weight: bold;">Discipulos de JACQUES LOUIS DAVID </span></span><br />
<br />
</div><ul style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"></ul><b style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">•FRANCISCO GERARD (1770-1837)</b><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">: Pinta temas clásicos. Gran retratista. </span><br style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;" /><b style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">•ANTOINE-JEAN GROS (1771-1835):</b><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"> Pinta la epopeya napoleónica. Atmósfera trágica. Gestos angustiados. </span><br style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;" /><b style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">•PRUDHON (1758-1823)</b><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">: Temas clásicos. Empleo original del claroscuro. Color y movimiento prodigiosos. </span><br style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;" /><b style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">•INGRES (1780-1867):</b><span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"> Inspiración en la Antigüedad. Dibujo correcto: contornos claros, líneas armónicas. Desprecia la pintura.</span>rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-62723434434798387532010-10-20T09:47:00.000-07:002016-05-23T17:02:29.290-07:00MANUEL CABRE<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Biografía de Manuel Cabre</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Manuel Cabre </b>fue un importante paisajista hispano-venezolano el cual nace en Barcelona (España) el 25 de enero de 1890 y muere en Caracas el 26 de febrero de 1984. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Se le conoce como “El pintor del Ávila”. Uno de los paisajista más destacados de su país.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Fueron sus padres, el escultor español Ángel Cabré y Magriña y Concepción A. de Cabré. Llega a Caracas a los 6 años de edad, ya que su padre había sido invitado por el Presidente Joaquín Crespo, para llevar a cabo trabajos en las obras públicas de Caracas. A los ocho años de edad ingresó en la Academia de Bellas Artes de Caracas, donde su padre regentaba la cátedra de Escultura. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Debido a limitaciones económicas de su familia, se vio en la obligación de abandonar sus estudios y conseguir un empleo en un puesto de venta en el mercado de San Jacinto. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1904, se inscribe en la Academia de Bellas Artes y ya en 1908 obtiene su primera distinción académica con un cuadro de gran tamaño: “Paisaje de la Sabana del Blanco”. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1909, participa en una huelga de estudiantes de la academia que protestaba en contra del sistema pedagógico imperante en el instituto. A partir de entonces, abandona la academia y empieza a trabajar en una marmolería.</div>
<a name='more'></a><br />
<span style="font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif; text-align: justify;">Enamorado del paisaje venezolano, pronto se sintió conmovido por el Cerro El Ávila, montaña al norte de Caracas, que pintó desde todos sus ángulos y con todos los matices.</span><br />
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1912, se incorpora al Círculo de Bellas Artes, una asociación gremial de artistas y escritores. Dos años después, participa con 5 cuadros en una exposición organizada por dicho círculo. En 1920 realiza su primera exposición personal, la cual le permitió recabar el suficiente dinero para viajar a París donde se inscribe en la Academia de La Grande Chaumière. En esta época cultivó el cubismo y el impresionismo. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1930, regresa a Caracas para presentar una exposición con 26 obras de su etapa francesa. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
A fines de ese mismo año, viaja de nuevo a París, pero en 1931 al morir su compañera Germaine; decide instalarse de manera definitiva en Caracas y se dedicó con ardor a captar la naturaleza de su país. Fue un paisajista por excelencia, con un excelente dominio de la técnica, el color y la forma. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Fue director del Museo de Bellas Artes de Caracas entre 1942 y 1946. En 1951, recibió el Premio Nacional de Pintura y en 1955, el Premio Herrera Toro, en el XVI Salón Oficial, además de otros importantes galardones. Dejó una extensa obra. <br />
<br />
<br /></div>
</div>
<hr />
</div>
rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-37698249230750312052010-10-20T09:45:00.000-07:002016-05-23T17:03:02.159-07:00FRANCISCO MICHELENA<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Biografía de Francisco Michelena</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Francisco Arturo Michelena Castillo</b>, nació en Valencia (Estado Carabobo) Venezuela, el 16 de junio de 1863 y murió en Caracas, Venezuela, el 29 de julio de 1898. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Hijo del Señor Juan Antonio Michelena, también pintor y de Doña Socorro Castillo (hija de Pedro Castillo, retratista y autor de murales). Sus primeras enseñanzas las recibe de su tía, Edelmira Michelena. Luego realiza estudios en el colegio de Lisandro Ramírez y finalmente termina de estudiar primaria en el colegio que, en Valencia, regentaba Alejo Zuloaga.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Fue un pintor venezolano, que desde niño demostró excepcionales dotes para el dibujo y la pintura, tanto así que a los catorce años de edad se le encomendó realizar todas las ilustraciones de un libro sobre costumbres venezolanas. Junto a Cristóbal Rojas y Martín Tovar y Tovar se le considera uno de los más grandes pintores venezolanos del siglo XIX.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Empezó a pintar a muy corta edad bajo el tutelaje de su padre, Juan Antonio Michelena. Resaltan entre sus primeras creaciones: “Cupido Dormido”, “Judit y Holofernes” y “Un rayo de luz”. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1874 hizo los dibujos que ilustraban la edición neoyorquina de “Costumbres Venezolanas”, libro de Francisco de Salas Pérez, quien le toma gran cariño al niño y, convertido en su protector, le presenta en el círculo de amigos, con la intención de gestionarle una pensión de estudios.<br />
<a name='more'></a></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Más tarde recibirá lecciones de una dama francesa, Constanza de Sauvage, ella le enseña a distribuir mejor los colores, a aprovechar mejor la luz y le imprime algunos conocimientos técnicos que ella había adquirido. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Entre 1879 y 1882 transcurre un período de aprendizaje durante el cual Michelena, asociado a su padre, abre una Academia de Arte en Valencia para satisfacer encargos de retratos. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Pinturas de murales, copias de cuadros antiguos, retratos infantiles y abundantísima producción de dibujo constituyen la base de entrenamiento que capacitan al joven para concurrir con éxito al Salón del Centenario del Natalicio de El Libertador Simón Bolívar, que se celebra en Caracas, y al que envía su primer lienzo importante “La entrega de la bandera al batallón sin nombre” (1883), que se hace acreedor al Segundo Premio.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Gracias a una beca, viajó a París. Parte en compañía de Martín Tovar y Tovar hacia París para inscribirse en la Academia Julian. Estudia en el Taller del profesor Jean-Paul Laurens. Fue el primer pintor venezolano en tener éxito en el exterior, y conjuntamente con Cristóbal Rojas (1857-1890) y Martín Tovar y Tovar (1827-1902), se convierte en uno de los más importantes pintores de la Venezuela del Siglo XIX.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Su primer gran éxito se dio el París en Le Salón des Artistes Francais en 1887. Animado por su profesor Jean-Paul Laurens (1838-1921). Michelena presentó un lienzo titulado “L’Enfant Malade” (El Niño Enfermo), con el cual fue premiado con la Medalla de Oro, segundo de su clase, el mayor honor que había dado esa academia a un artista extranjero. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Fue adquirido por Astors, en Nueva York, a finales del siglo XIX. En el 2004 Sothby’s vendió la pieza por 1.350.000 dólares. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Entre 1885 y 1889, corre un segundo periodo. Pinta sucesivamente: “Una visita electoral” (1886), “La caridad” (1887), “La joven madre y Carlota Corday” (1889), y obtiene, con este último cuadro, exhibido ya en el Salón, una Medalla de Oro en la Exposición Universal de París (1889). Ese mismo año, regresó inesperadamente a Venezuela y fue recibido con muestras de júbilo.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Tras una temporada de éxito social en Caracas, se casa con Lastenia Tello Mendoza y retorna a París para iniciar el tercer período de su carrera.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En esta segunda estancia en París pinta “La vara rota” (1892) y “Pentesilea” (1891), obras principales de éste período. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Habiendo contraído tuberculosis, retorna a Venezuela en 1890 por consejo de sus médicos; el éxito le espera en Caracas donde realiza un lienzo en honor a José Antonio Páez, primer presidente venezolano. Se hace retratista de moda y pintor oficial y es objeto de toda clase de agasajos. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Pero su salud, cada vez más resentida, apenas le permite consagrarle esfuerzo a obras ambiciosas como: “Miranda en la Carraca” (1896), en alusión a su compatriota, Francisco de Miranda que estuvo preso por insurrección en el penal de las cuatro torres, de San Fernando, Cádiz, en donde murió. Miranda era admirado por Michelena por su gesta. “Berruecos” (1895), el “Descendimiento” (1897) y “La última cena” (1898) quedaron inconclusas algunas de éstas.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Arturo Michelena </b> muere en Caracas, Venezuela el 29 de julio de 1898.</div>
</div>
rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-82074787274970283482010-10-20T09:42:00.000-07:002016-05-23T17:06:13.479-07:00ARMANDO REVERON<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<h3>
Biografía de Armmando Reverón</h3>
<br />
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Armando Raverón</b> nació en Caracas, el 10 de mayo de 1889 y murió en Caracas el 18 de septiembre de 1954. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Fue un pintor y artista plástico venezolano. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Caracas, en España y en Francia. Se radicó en Macuto, La Guaira, (estado Vargas), Venezuela a partir de 1921; donde realiza gran parte de su obra, en el litoral central de Venezuela, donde capta y trasmite el impacto de la luz tropical. <br />
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Es considerado el mejor pintor de Venezuela del siglo XX. Se interesó profundamente por la acción de la luz sobre las formas. Entusiasta del impresionismo francés, su pintura evolucionó a la abstracción y el simbolismo. Los temas preferidos fueron el paisaje y el desnudo femenino.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Poco se conoce de su niñez, a los pocos años de haber nacido fue dado en crianza por su madre a un matrimonio de Valencia, los Rodríguez Zocca; quienes se ocuparon de su primera educación. Su tío-abuelo materno, Ricardo Montilla, quien había estudiado en Nueva York, lo instruye en dibujo del natural y despierta en él su vocación artística, mostrando desde niño afición por la pintura. En 1904, vive con su madre en Caracas. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1908 se inscribe en la Academia de Bellas Artes; su rendimiento le valió la recomendación de sus profesores para obtener, al finalizar el curso de 1911, una beca de estudios en Europa. Este mismo año, viaja a España y se dirige a Barcelona, donde ingresa a la Escuela de Artes y Oficios. En 1912 hace un breve retorno a Caracas; de nuevo en España, entra a la Academia de San Fernando en Madrid. La capital española dejó una profunda huella en su espíritu; siendo cautivado además por el universo de Francisco Goya.`</div>
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<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Regresa a Venezuela a mediados de 1915. Ya en Caracas, retoma su trabajo mientras asiste a las sesiones del exclusivo Círculo de Bellas Artes y abandona el rigor académico, ante el entusiasmo que despierta el impresionismo en él. Se traslada a Macuto, en el actual Estado Vargas, hacia 1921, donde conoce a su modelo y compañera de vida, Juanita Ríos.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Su obra es conocida por estar plagada de imágenes oníricas, desdibujadas, con un intenso trabajo de la luz y los colores, o la falta de ellos. Son celebradas también sus muñecas de trapo. Se le considera un maestro de la luz tropical, que plasmó en distintas superficies y con todo tipo de materiales. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En la obra se distinguen tres periodos: período azul, período blanco y período sepia.</div>
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<br /></div>
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El Período Azul inicia en 1920 y va estar caracterizada por una inmersión en una atmósfera sensual y misteriosa, está dominada por el azul profundo de su paleta y una factura espesa. Se trata de paisajes, retratos de Juanita y majas: (“El bosque de la Manguita”, “Juanita”, “La Cueva”). A partir de entonces se definen las dos líneas temáticas que cultivará hasta la muerte: el paisaje (pintado al aire libre) y el sexo.</div>
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El Período Blanco inicia alrededor de 1924 al abandonar el impresionismo, adquiriendo gran importancia el color blanco, que utiliza en composiciones de corte abstracto (“El Paisaje blanco”, 1934). La obra que marca el paso del periodo azul al blanco, que se extiende hasta 1934, es (“Fiesta en Caraballeda”, 1924).</div>
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<br /></div>
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El Período Sepia inicia en 1933 y se caracteriza porque empieza a pintar sobre papel con un estilo gestualista, que constituye una etapa de transición al periodo sepia, que se inicia en 1936. Pinta entonces obras de gran formato que escenifican varias figuras desnudas en un interior (“La maja criolla”,1939), al tiempo que su producción se torna dramática con acentos expresionistas. Sustituye sus modelos, salvo Juanita, por muñecas de trapo fabricadas por él mismo.</div>
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<br /></div>
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Salvo el paréntesis de 1940-1945 en que pinta del natural, paisajes portuarias con la frescura de los primeros años (“El puerto de La Guaira”, 1941), su obra es cada vez más introvertida y simbólica, al igual que su vida, cada vez más solitaria y ajena a la realidad; sus pinturas están bañadas por la luminosidad del sol y el resplandor de las estrellas bajo la noche tropical (“Amanecer en el Caribe”, 1944). </div>
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<br /></div>
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En 1945 es internado por primera vez en un psiquiátrico, aumentan los desnudos y autorretratos (“Desnudo acostado”,1947) y a partir de 1949 se observa una menor producción pictórica, a la vez que se centra en la técnica del dibujo, que se convertirá a partir de 1950 en la única utilizada; ya que usó su propio excremento para lograr tonos sepia en algunas pinturas.</div>
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<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Biografía de Zaida del Río</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Zaida del Río</b> naciò en Guadalupe, Las Villas, Cuba, el 3 de junio de 1954.</div>
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Dibujante, pintora, ceramista, grabadora, decoradora, litógrafa y poeta, a la artista plàstica cubana Zaida del Rìo no se le puede encasillar en una sola faceta.</div>
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<br /></div>
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Realizò estudios en la Escuela Nacional de Arte (ENA) de La Habana, Cuba (1971-1974), en el Instituto Superior de Arte (ISA) en La Habana, Cuba (1982-1987) y en la Escuela de Bellas Artes, Parìs, Francia (1988-1989).</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Es miembro de la Unión de Escritores Y Artistas de Cuba (UNEAC) y de la Asociaciòn Internacional de Artistas Plàsticos (AIAP).<br />
<a name='more'></a></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Ha realizado màs de 30 exposiciones personales y colectivas en Brasil, Cuba, España, Estados Unidos, Francia, Italia, Japòn, Martinica y Mèxico. Sus obras han estado presente en todas las ediciones de la Bienal de La Habana, en las Bienales de Grabado de San Juan Puerto Rico;, Cuenca, Ecuador; Sao Paulo, Brasil; El Cairo, Egipto; y la Bienal del Caribe de Santo Domingo, Repùblica Dominicana.</div>
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Ilustraciones de singular expresión adornan diversos libros, revistas y discos compactos; además publicò su libro “Herencia Clàsica”, en el cual hace versiones e interpretaciones de oraciones religiosas populares.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Sus pinturas se exponen en colecciones privadas y estatales de Cuba y el extranjero, además del Museo Nacional de Bellas Artes en Cuba y sirven de ambientación en lugares de reconocido prestigio como Hoteles, Galerìas y acciones teatrales. </div>
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Las formas redondas de sus personajes, una característica que comparten todos sus lienzos gracias al trazado grueso que dejan sus pinceles, dan fuerza al mensaje que la artista quiere trasmitir en cada creación. Los rojos, amarillos, naranjas, azules y violetas son los colores que predominan en sus obras. Aunque la artista utiliza combinaciones de blancos, grises y negros. </div>
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En cuanto al Teatro, fue en el estreno mundial de “Terriblemente Inocente”, donde se unieron de forma eficaz los valores coreográficos y plástico, y la presencia escénica de la artista. Otras incursiones en este ámbito fue el diseño del telón para el estreno del ballet “Umbral” de Alicia Alonso, en La Habana, Cuba, (2000) y diseños para una pieza presentada en Ohio, Estados Unidos, (2002).</div>
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<br /></div>
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Entre los premios màs importantes, con los que su obra ha sido reconocida se encuentran la Medalla de Oro, Primer Premio de Pintura: Bienal de El Cairo, Egipto (1993). La Medalla Alejo Carpentier (1994) y el Tercer Premio de Pintura, Bienal de TENRI, Japòn (1998).</div>
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<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Biografía Wilfrido Lam</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Wilfrido Lam </b> nació en la aldea cubana de Sagua la Grande. Era hijo de Lam Yam, un escribano chino afincado en la isla caribeña, y de Ana Serafina Castilla, mulata por cuyas venas corría también sangre india. Además del anciano padre (que cuando nace Lam cuenta ochenta y cuatro años), un curioso personaje ejercerá una poderosa influencia en la infancia del pintor. Se trata de su madrina, Mantonica Wilson, una curandera y sacerdotisa de la santería. Contradiciendo los deseos de su padre y la de la madrina, (que auguraba para él un brillante futuro como hechicero), el joven es enviado a La Habana a estudiar Derecho y, al mismo tiempo, desarrollará sus inclinaciones artísticas en la Academia de San Alejandro. Poco interesado en las leyes, <b>Lam</b> se concentra en la pintura y, aunque soporta con cierta resignación el rancio academicismo dominante, prefiere dibujar la frondosa vegetación del jardín botánico a los motivos clásicos que sus maestros le imponen. </div>
<a name='more'></a><br />
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
El limitado horizontal cultural de la capital cubana pronto despierta en Lam el deseo de viajar a Europa, y en 1923, con veintiún años, se embarca hacia España; gracias a una beca del Ayuntamiento de Sagua la Grande. En sus visitas a El Prado, sus preferencias se inclinan por la obra de pintores como El Bosco, Brueghel o Goya. La afinidad lingüística y los lazos afectivos hacen que lo que en un principio no debía ser más que una etapa de su viaje hacia París, se convierta en una estancia de de catorce años. De esta época es una serie de dibujos de gentes del campo, de factura convencional, en los que el pintor muestra ya su interés por cuestiones sociales. Poco a poco, su pintura va asumiendo un lenguaje moderno, que combina una estructura geometrizante con cierta vena surrealista. En 1929 se casa con su primera mujer, Eva Píriz, y al año siguiente nace su hijo Wilfrido; ambos morirán en 1931 a causa de la tuberculosis. Su compromiso con el país que le acoge, le lleva a defender la causa republicana, tras el estallido de la Guerra Civil.</div>
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<br /></div>
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Luego viaja a París, donde hace buena amistad con <b>Picasso.</b> Su relación personal con el artista malagueño será intensa: desde que, en 1938, ambos se conocen en París. Recién instalado Lam en la ciudad, la sintonía afectiva se ve reforzada por el mutuo respeto ante sus trabajos. De nuevo la guerra irrumpe bruscamente en la vida de Lam. El color de su piel y su condición de luchador antifascista, le hacen temer por su integridad. Se va a Marsella para embarcarse. Tras unos mese en Marsella y ante el hostigamiento de las autoridades de Vichy, Lam se embarca, con destino a La Martinica. Lam llega a Cuba en 1941; el viaje había durado siete meses. Paradójicamente, el reencuentro con su país es muy amargo: al sentimiento de desarraigo que le provocan los diecisiete años de ausencia se une la indignación por las lamentables condiciones en que se desarrolla la vida de sus gentes, especialmente la de sus hermanos de raza. Este sentimiento le lleva a superar la postración inicial y a iniciar una actividad artística basada en las raíces de un pueblo que, en opinión de Lam, debía recuperar su dignidad. De esta forma, los referentes autóctonos se funden con el lenguaje formal aprendido en Europa, para producir obras tan importantes como “La Jungla” (1942-1943), donde aparecen ya los personajes del panteón yoruba que poblarán gran parte de su producción posterior.</div>
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<br /></div>
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En la segunda mitad de la década de los cuarenta, Lam alterna su residencia entre Cuba, Nueva York y París; ciudad esta última en la que se instala en 1952. El alejamiento de su país no le impide implicarse en los acontecimientos políticos que allí se suceden: apoya los movimientos de oposición al régimen de Batista y recibe con entusiasmo la caída del dictador y el triunfo de la revolución en 1959. Lam, que en ningún momento deja de pintar, goza ya de un reconocimiento internacional. Desde 1964 pasa largas temporadas en Albisola Mare; en este pueblecito italaiano, cercano a Génova, el artista danés Asger Jorn, creador del grupo COBRA, le inicia en la cerámica. Sin embargo, Lam no perdió el contacto con París, donde fallece en 1982; año en el que se muestra una importante retrospectiva de su obra. </div>
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<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Biografía de Mario Carreño</h3>
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<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
El pintor <b>Mario Carreño</b> nació en La Habana, Cuba, el 24 de junio de 1913, En 1932 viaja a Madrid, ingresando en la Escuela de San Fernando.</div>
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Un surrealismo geométrico y tropical desborda sus primeras imágenes. La influencia cubista que predominaba en la época terminó transformando toda su imaginería pictórica. Los cuerpos se agrupan de manera escultórica sobre un paisaje desolado y expectante, como en “La Espera”. Pero su obra sigue el ritmo de transformaciones sucesivas al llegar a Chile. </div>
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En 1934 conoce a Pablo Neruda y a su círculo de amigos intelectuales y artistas: Rafael Alberti, Federico García Lorca, entre otros. Debido a la guerra civil abandona España en 1936 y se traslada a México donde conoce a los principales muralistas de la época: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
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Más tarde estudia en la Academia Julien, de París, donde realiza su primera exposición, muestra que lo llevó a ser conocido en el ambiente intelectual. La Segunda Guerra Mundial motiva su estancia en Nueva York durante más de una década. Entre 1951 y 1954 vuelve a La Habana, ejerciendo como profesor. En 1958 los fuertes acontecimientos políticos y sociales que se comenzaron a vivir en la isla motivan la emigración de Carreño a Chile, estimulado por su amistad con Neruda y por la invitación que le hizo la Universidad de Chile para impartir una serie de cursos de arte. Fue fundador de la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Santiago, desempeñándose como ecdémico de ella durante veintidós años en la cátedra de Pintura Latinoamericana. Allí vivió hasta el día de su muerte, el 20 de diciembre de 1999.</div>
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<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
De sus continuos viajes por México, Europa y Nueva York, recibe diversas y variadas influencias. Su estilo va desde la orientación figurativa, al cubismo. El surrealismo y el cubismo son asimilados en sus lienzos que atrapan, los temores de su tiempo. Temores que incluían el de una inminente conflagración nuclear. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Alerta ante la inadmisible violencia del hombre contra su semejante, Carreño va llevando un mensaje que delata la fragmentación de la raza humana y que le conduce a la guerra y la barbarie. </div>
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<br /></div>
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Pero también hay en Carreño, como en muchos artistas caribeños, un cierto sentido del ritmo, un tongoneo voluptuoso de formas que se tocan, que se abrazan, que se mueven como espigas al son del viento y las caderas que laten con el tambor y el atabal. Este vaivén visual otorga un sello distintivo a las pinturas de Carreño. Características de Carreño son sus naturalezas muertas con formas geométricas y colores vivos y sus paisajes de arquitecturas mediterráneas. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1982 obtuvo en Chile el Premio Nacional de Arte. Sus pinturas son muy cotizadas en el mercado del arte. </div>
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rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-81317329646688535802010-10-20T09:25:00.000-07:002016-05-23T17:11:46.186-07:00AMELIA PELAEZ DEL CASAL<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Biografía Amelia Pelaez del Casal</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Amelia Pelaez del Casal</b> nació en Yaguajay, la antigua provincia de Las Villas, el 5 de enero de 1896 y murió el 8 de abril de 1968 en La Habana. Provenìa de una familia burguesa, muy rica de origen español y de ilustres intelectuales entre los que se encuentra el poeta Juliàn del Casal. Pese a su origen no era una dama pretenciosa, sino mas bien retraìda que encontró en el arte la forma de comunicarse.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
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<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Una de las artistas màs emblemáticas de la plàstica cubana contemporànea es Amelia Pelàez, pionera del Modernismo en tiempo de la Revoluciòn. Amelia se dedicò a la cerámica; pero destacó también en la pintura, el grabado, la escultura y el ensamblaje de murales. Diò un gran impulso a la cerámica artística.</div>
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En La Habana ingresò a la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro. Despuès de graduada, viaja primero a New York y después a Europa, donde tiene contacto con la vanguardia plàstica de ese continente, entre los que figuran Picasso, Matisse y Lèger, cuya influencia se observa en algunas de sus obras. </div>
<a name='more'></a><br />
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Regresa a La Habana. Radica en su casa colonial de La Vìbora, donde vivió hasta su muerte y que es hoy Patrimonio Cultural. Allì creò su estilo muy particular, porque los caracteres del estilo de Amelia; su representación de las frutas cubanas, sus enrejados de línea negra, reflejo del art novou catalán que predomina en su casa, son únicos en las artes plásticas cubanas. Se dedica por entero al arte hasta su muerte. </div>
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Experimenta con la pasta blanca porosa, en el diseño de un repertorio variado de objetos. Esa nueva materia dio al barro otra dimensión. Ampliò el espacio que le permitìa a Amelia, plasmar sus ideas artísticas en el nuevo soporte cerámico, el cual abarcaba desde la pequeña vasija; hasta la gran producción a escala ambiental de placas y losas, con vistas a edificar murales, como el situado en el corazón de la capital cubana en la fachada del Hotel Habana Libre. Otros de relevancia son los de la Escuela Normal de Maestros de Santa Clara; el de la Escuela Josè Miguel Gòmez de La Habana; el del antiguo Edificio de la Esso de La Habana; el de 65 pies de cerámica, del exterior del Ministerio del Interior de Cuba realizado en 1953, el de la Capilla del Hogar Salesiano Rosa Pèrez Velazco, en Santa Clara. </div>
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<br /></div>
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Establece la correspondencia entre pintura y cerámica apoyada en todos sus conocimientos. Decora los diseños creados con motivos nacionales extraídos de sus lienzos y temperas. Naturalezas muertas, perfiles de mujer, frutas, flores y animales aparecen en los nuevos soportes. En su obra plasmada de elementos del tròpico y de la arquitectura colonial se percibe lo cubano. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
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Un tema reiterado en las obras de Amelia es la representación artística de la mujer, en las que la pintora despersonaliza la figura femenina con variados recursos. Sin embargo, a principios de la década del 40, ella comienza a esquematizar esas figuras. Sus rostros se hacen màs genéricos. En esas obras omite la boca, pero acentúa el ojo enmarcado con un trazo negro. No lo entrona, para que pueda ver màs y mejor. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Estas figuras visibles en la pintura, en los murales y en la cerámica pudieron ser poratdores del mensaje de la artista.</div>
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<br /></div>
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En su obra artística encontramos una reacción a los dogmas académicos y sociales que imponían las instituciones a la mujer artista, quien debía reflejar en sus obras el entorno apacible vinculado a su gènero y estatus social. Pero Amelia era diferente.</div>
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<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Biografía José Clemente Orozco</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
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<b>Pintor muralista mexicano</b>, contribuyó a recuperar la técnica, el diseño y los temas de la pintura al fresco. Está considerado como uno de los más destacados muralistas desde los tiempos del renacimiento. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Orozco nació en Zapotlán, Jalisco, el 22 de noviembre de 1883. A los 7 años se trasladó a la ciudad de México, donde realizó sus estudios superiores en la Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Conoció el taller del grabador José Guadalupe Posada, que lo impresionó y cuya influencia marcaría toda su obra. </div>
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<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1922 se unió a <b> Diego Rivera</b> y David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores, que buscaba recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno mexicano. Unido por vínculos de afinidad ideológica y por la propia naturaleza de su trabajo artístico, a las controvertidas personalidades de Rivera, Siqueiros y Tamayo, José Clemente Orozco fue uno de los creadores que, en el fértil período de entreguerras, hizo florecer el arte pictórico mexicano gracias a sus originales creaciones, marcadas por las tendencias artísticas que surgían al otro lado del Atlántico, en la vieja Europa.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Una de sus primeras y más destacadas obras fue la serie de murales que hizo para la Escuela Nacional Preparatoria sobre la conquista, la colonización y la Revolución Mexicana. Entre 1927 y 1934 trabajó en Estados Unidos. Allí realizó un grupo de murales para la New School for Social Research de Nueva York y en el Pomona College de California pintó un mural con el tema del héroe griego Prometeo. Sus murales para la Biblioteca Baker en el Dartmouth College (1932-1934) escenifican la historia de América con la serie “La llegada de Quetzalcóatl”, “El retorno de Quetzalcóatl “ y “Modern industrial man”. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
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De regreso a su país realizó grandes murales en el <b> Palacio de Bellas Artes</b> (1934) o la Suprema Corte de Justicia (1941) en la ciudad de México, además de diversas series en importantes instituciones de la ciudad de Guadalajara, como el Palacio de Gobierno, la Universidad o el Hospicio Cabañas. En la década de 1940 pintó algunos lienzos caracterizados por las líneas diagonales y el color gris que ya venía utilizando para sus murales. En los últimos años su estilo se fue simplificando, buscando sobre todo un carácter más dramático y violento que le aproximara más al expresionismo. Orozco murió en México D.F. el 7 de setiembre de 1949. Fue enterrado en la Rotonda de los Hombres Ilustres, honor que por primera vez se dio en México a un pintor.</div>
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<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Rufino Arellanes Tamayo</b> destacado pintor mexicano, nació en Oaxaca, México el 25 de agosto de 1899 y falleció en la Ciudad de México el 24 de junio de 1991. En 1907 murió su madre Florentina Tamayo y él quedó al cuidado de su tía Amalia, con quien vivió a partir de 1911 en la capital de la república. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
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En 1917 se inscribió en la Academia de San Carlos, alternando sus estudios con la atención de un negocio de frutas en el mercado de la Merced. Dos años más tarde se dedicó a pintar e investigar por su cuenta.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1921 fue designado jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología. En 1925 alquiló su primer estudio en la calle de La Soledad, donde pintó “Dos mujeres en la ventana”, “Paisaje con rocas”, “Reloj y teléfono”, “El fonógrafo”, “Dos niñas mexicanas” y “Pareja con Maguey”.</div>
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En 1926 presentó su primera exposición de pinturas. Ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde expuso sus obras en el Art Center. Regresó en 1929 y fue profesor en la Escuela de Bellas Artes. En 1932 estuvo al frente del Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación Pública. En 1933 realizó un mural en la Escuela Nacional de Música. En los años siguientes expuso en San Francisco, México, Nueva York, Chicago y Cincinnati; y vivió indistintamente en la Brooklyn Museum Art School y pintó el mural de la Hillyer Art Library de Northampton, Massachusetts.</div>
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En 1950 viajó a Europa, al tiempo que se instalaba la Sala Tamayo en la en la Bienal de Venecia, acontecimiento que despertó el interés de los críticos europeos. A ese acto siguieron las exposiciones en la Knoedler Gallery de Nueva York, la Galerie Beaux Arts de París y el Palais des Beaux Arts de Bruselas.</div>
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En setiembre de 1952 recibió el segundo premio de la Pittsburght International Exhibition y terminó su primer mural en el Palacio de Bellas Artes de México. En 1953 se le otorgó el gran premio de pintura en la II Bienal de Sao Paulo. Ese mismo año hizo el mural “El Hombre”, para el Museo de Bellas Artes de Dallas, y concluyó el segundo en el Palacio de Bellas Artes. Esta composición, al igual que la anterior en el mismo sitio, se refiere al nacimiento de la nacionalidad mexicana y contiene una visión del México del presente. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Su obra de caballete se ha expuesto prácticamente en todo el mundo. Guardan obras suyas los museos de Arte Moderno de México, París, Nueva York y Río de Janeiro, la Galería Nazionale de Arte Moderna de Roma, el Royale de Bruselas, los de Cleveland, San Luis Misouri, Filadelfia, Arizona, San Francisco, Cincinnati y Dallas, The New York Public Library, el Bank of the Southwest de Houston y el barco Shalom, de bandera israelí.</div>
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Durante la primera fase de su actividad creativa, Tamayo se apegó a la perspectiva lineal, una de cuyas mejores muestras es su “Autorretrato” ( 1931). En el curso de la segunda tuvo fuerte influencia de Braque, según se advierte, por ejemplo, en “El barquillo de fresa” (1938). Y en la tercera se libró de ataduras y desarrolló su propio estilo.</div>
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Su obra evolucionó de una pintura de pequeñas dimensiones (con un color insensible a las influencias posimpresionistas) a un cromatismo mucho más brillante al servicio de la temática social. Además recuperó la pintura de caballete, que combinó con la pintura mural social, como “La revolución” (1938, Museo Nacional de Antropología), dispone las figuras fuertes y monumentales del arte tradicional mexicano en una sutil y compleja composición inspirada en el cubismo francés.</div>
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Sus obras gozaron de un reconocimiento internacional, que derivó en encargos para amplias decoraciones murales como “Homenaje a la raza” (1952), en París, o “México hoy” (1953, Palacio de Bellas Artes, México). Le siguieron otros murales como “América” (1956, Banco del Suroeste, en Houston), el de mayor tamaño que ejecutó, y para el nuevo edificio de la UNESCO en París realizó “Prometeo” (1958), y posteriormente, “Eclipse total” (1977).</div>
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En 1970 Max Pol produjo la película “Tamayo”; y en 1973 H. Cokin, “La vida artística de Rufino Tamayo”. En 1974 se inauguró en la ciudad de Oaxaca el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, con 1300 piezas coleccionadas y donadas por el artista; y el 29 de mayo de 1981 se abrió al público el Museo Rufino Tamayo en el Bosque de Chapultepec.</div>
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Varias instituciones de enseñanza superior lo han honrado con el título de Doctor Honoris Causa: la de Manila (1974); la Nacional Autónoma de México (1979) y la de San Francisco, California (1982). Se le otorgaron, además el Premio Nacional de Artes (1964) y el Colouste Gulbekian, por el Instituto de Artes de París (1969); la Legión de Honor de Francia (1970); el grado de Comendador por la República Italiana (1971); la denominación de Hijo Predilecto, por el gobierno de Oaxaca (1972); la Copa de Oro de Florencia (1975); una medalla, por el Departamento del Distrito Federal (1982), y el galardón Albert Einstein, por el Technion Institute de Israel (1983). Llevó a cabo exposiciones individuales en todo el mundo. </div>
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rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-29220346609442617992010-10-20T09:09:00.000-07:002010-10-20T09:12:16.017-07:00El Tango<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Historia del Tango</h3><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><b>El tango</b> es un <b>género musical</b> romántico y a la vez dramático; es una danza sensual. Describe sentimientos como la pasión, la nostalgia, la desdicha y el rencor; celebra al amor triunfante y llora al ausente. Además cada tango es un argumento en sí mismo, una historia particular y a la vez la historia de todo aquel que la escucha, lo cual la vuelve universal. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Existen controversias respecto de si fue creado solo en Buenos Aires (zona del Río de la Plata) o si también nació en Montevideo y Rosario, o simplemente se extendió luego a estas ciudades. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">De naturaleza netamente urbana y de renombre internacional. Clásicamente se interpreta mediante orquesta típica o sexteto y reconoce el bandoneón como su instrumento esencial; los otros instrumentos son: violín, piano, contrabajo, guitarra acústica y a veces el chelo. La coreografía, diseñada a partir del abrazo de la pareja, es sumamente sensual y compleja. Las letras están compuestas con base a un argot local llamado lunfardo (es una jerga originada en la ciudad de Buenos Aires); suelen expresar las tristezas, especialmente “en las cosas del amor”, que sienten los hombres y las mujeres de pueblo; y otros temas, como humorísticos y políticos.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
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</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al tango como “un pensamiento triste que se baila”. Sus orígenes musicales: habanera (música originada en Cuba a finales del s. XIX, de ritmo lento), candombe (género musical que tiene sus raíces en el África), milonga (género musical folclórico rioplatense, típico de Argentina, Uruguay y de la cultura gauchesca) y vals ( elegante baile musical a ritmo lento). También tiene una fuerte influencia de géneros musicales europeos.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Si bien <b> el tango</b> reconoce lejanos antecedentes africanos, latinoamericanos y europeos, sus orígenes culturales se han fusionado de tal modo que resulta casi imposible reconocerlos. En esencia el tango es una expresión artística de fusión, de naturaleza netamente urbana y raíz suburbana (arrabalero), que responde al proceso histórico concreto del mestizaje biológico y cultural de la población afrocriolla y la inmigración masiva, mayoritariamente europea, que reconstituyó completamente las sociedades rioplatenses, especialmente las de Buenos Aires y Montevideo, a partir de las últimas décadas del s.XIX.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Argentina que en 1850 contaba con 1.1 millón de habitantes, recibió 6.6 millones de inmigrantes entre 1857 y 1940. Uruguay tuvo un proceso similar, de 48 mil habitantes pasó a tener cerca de dos millones. Se trató de una experiencia humana, casi sin parangón en la historia contemporánea.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"></div><br />
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"></div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">El tango es hijo directo de ese intenso mestizaje. Se sabe que los primeros tangueros eran afroargentinos y afrouruguayos; que su bandoneón proviene de Alemania; que su sensualidad deriva de su origen prostibulario, donde los inmigrantes europeos que llegaban solos, a buscar empleo mantenían relaciones sexuales con las nativas, mayoritariamente afroargentinas e indoamericanas denominadas “chinas”. Se sabe también que el argot del tango el lunfardo, está plagado de expresiones italianas y africanas. Sin embargo el tango no se confunde ni deriva de ningún estilo musical en particular.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />
</div><br />
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Ernesto Sábato (escritor argentino) dice que “por sobre todas las cosas el tango es un híbrido, una expresión original y nueva que deriva de una movilización humana gigantesca y excepcional”.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">La canción de tango comenzó a interpretarse desde 1850. Los cantantes de entonces no eran profesionales. <b>Carlos Gardel,</b> (1887-1935) quien se inició como “payador” (es un arte perteneciente a la cultura hispánica, que adquirió un gran desarrollo en el Cono Sur de América, en el que una persona, el payador, improvisa un recital en rima, cantado y acompañado de una guitarra); alrededor de 1910, es el más recordado cantante de los años veinte y treinta. Muchos de los temas que interpretaba los compuso él mismo y encargó sus letras a su inseparable compañero, el poeta Alfredo Le Pera. Gardel que comenzó su carrera en comités políticos de los suburbios fabriles de Buenos Aires, cantó en París y en Nueva York, filmó varias películas en Estados Unidos. Se convirtió en un mito para los rioplatenses cuando murió en un accidente de aviación en Medellín (Colombia). </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Algunos de los tangos famosos de esta época son: La cumparsita, El choclo, Caminito, El día que me quieras, Por una cabeza, etc. Los temas de estas canciones son: el arrabal, el desengaño, el deseo sexual, la tristeza, el hacer diario, el tiempo. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Jorge Luis Borges (escritor y poeta argentino), solía decir que no le gustaba escuchar a Gardel porque hacía llorar a los porteños con sus tangos. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Carlos Gardel era un hombre carismático y alegre pero con tendencia a la depresión. Reservado y humilde, prefería perder antes que discrepar. Dependiente de sus afectos, pero con una incontenible necesidad de llevar el tango a todo el mundo. Podemos encontrar en la canción de tango muchos rasgos de su personalidad. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">José Razzano (cantante y compositor uruguayo), decía que a veces lo encontraba melancólico y pensativo, como guardando una inmensa pena. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Muchos monumentos han sido dedicados a Gardel en diferentes ciudades del mundo. En San José el monumento está ubicado frente a la iglesia de la Soledad. El busto fue donado por la Intendencia Municipal de Buenos Aires, a través de la gestión del embajador argentino. La inauguración se realizó en el año 1975, al cumplirse cuarenta años de su fallecimiento. La autora de la escultura es la reconocida artista argentina Nilda Toledo Guma. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En 2009, el tango fue presentado por los presidentes de Argentina y Uruguay para ser incluido, y finalmente aprobado en la Lista del Patrimonio Inmaterial (PCI) de la Humanidad por la UNESCO.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Muchas películas se han producido a través del tiempo, en diferentes países alrededor del tango. Una de ellas es “Tango” del director de cine español Carlos Saura Atarés (Huesca, 4 de enero de 1932), de amplio prestigio internacional. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En 1997, Saura se trasladó a Argentina para rodarla. El argumento trata de la filmación de una película llamada “Tango”. Mario Suárez es un director argentino obsesionado con filmar la película definitiva sobre el tango. Su mujer Laura, que es una de las estrellas de la película le abandona. Así que a él se le hace muy difícil el proceso de preparación del filme. Pero Mario conoce a Elena, una bailarina muy joven, de la que se enamora, y que es la novia de Angelo, productor de la película. Los problemas continúan ante la intención de Mario de mencionar los años de la dictadura militar argentina. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Es un tributo a las víctimas y a la sociedad argentina; también a la inmigración italiana base de la rica cultura argentina. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Es una excelente película; la puesta de escena, los colores, la composición, coreografía, música y la interpretación muy buena. Siempre está presente la pasión entre los personajes. Tiene mucho baile, es un homenaje a la música de Buenos Aires, al drama, a la nostalgia, a la profunda tristeza, frustraciones pasionales, romance, pérdida, desarraigo, abandono, amor. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">En la película el tango brilla de manera electrizante; el baile, la danza es una galería fotográfica, toda una clase de tango.</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;"><br />
</div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Contó con la participación de: <b>Juan Carlos Copes</b> (una leyenda del tango, que apareció en el 60, y le dio importancia al baile coreográfico, siendo el primero en convertir el tango como danza en un hecho artístico); Julio Bocca (uno de los bailarines argentinos más importantes de todos los tiempos). El resto del elenco es argentino, excepto el actor español Juan Luis Galiardo. </div><div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">Esta cinta fue muy galardonada en diferentes festivales y recibió muchos premios.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8UxOSwzGI/AAAAAAAABmQ/IX2XbHFq5m0/s1600/El+tango.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="153" src="http://1.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8UxOSwzGI/AAAAAAAABmQ/IX2XbHFq5m0/s320/El+tango.JPG" width="320" /></a></div></div>rcanessahttp://www.blogger.com/profile/11769607981441791462noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6328727113065978492.post-89453655078425735742010-10-20T09:05:00.000-07:002016-05-23T17:18:08.483-07:00Oswaldo Guayasamín<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<h3 style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif;">
Biografía de Oswaldo Guayasamín</h3>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>Oswaldo Guayasamín</b> nació en Quito, el 6 de julio de 1919, de padre indio y madre mestiza. Su padre trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. La familia vivía en la miseria. Oswaldo fue el primero de diez hijos.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricatura de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.<br />
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<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
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<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1932, a pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la “<b>guerra de los cuatro días</b>”, un levantamiento obrero. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra “Los niños muertos”, marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1942 expone por primera vez en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro.<br />
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en EE.UU. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente. También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que desde entonces, aparece siempre en sus obras.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971. Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, EE.UU. Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Mantuvo una gran amistad con el presidente cubano Fidel Castro y con el escritor colombiano Gabriel García Márquez.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra Hispanoamérica.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En 1984, retrató al Rey Juan Carlos y a Fidel Castro por tercera vez, dos de los más de tres mil retratos que pintó y entre los que se encuentran grandes figuras mundiales, artistas y amigos.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En agosto de 1988 hace entrega al Congreso ecuatoriano de un mural de unos 360 metros cuadrados que quedó instalado en el salón de sesiones de la Cámara. El gobierno estadounidense lo criticó por este mural (inaugurado en la toma de posesión del presidente Rodrigo Borja), en el cual aparece un rostro “calavérico”: un casco nazi con las siglas “CIA”, en alusión a la Agencia Central de Inteligencia norteamericana. En ese acto, el representante de Estados Unidos abandonó la sala como expresión de rechazo.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
También donó un mural a la UNESCO que se instaló en la entrada de la sede de ese organismo en París y que está dedicado “a los 2 millones de niños que mueren cada año de hambre en el mundo”.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Es el autor del mural principal de la sede permanente del Parlamento Latinoamericano, que se inauguró en setiembre de 1992. Ese año recibió el premio “Eugenio Espejo”, el principal galardón cultural otorgado por el Gobierno ecuatoriano. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En enero de 1993 viajó a Cuba para inaugurar su casa-museo en La Habana. En esta ocasión anunció que el primer cuadro que pintará será un nuevo retrato del presidente cubano ya que, según sus palabras, “es la primera persona de los cientos de retratos que he hecho que no puedo captar de una sola vez”.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
A partir de 1996 inició en Quito su obra más importante, el espacio arquitectónico denominado “La Capilla del Hombre”, a la cual le dedica todo su esfuerzo.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Los últimos días el maestro vivió recogido en su residencia debido a un problema que tenía en la vista. </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Falleció el 10 de Marzo de 1999, en Baltimore (Estados Unidos) de un infarto, aún sin ver finalizado este proyecto.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
El Guayasamín del llanto, la ira y la ternura se quedará para siempre en su obra. Pero tan fascinante como esta fue su personalidad, donde su fuerza siempre lo puso en medio de polémica.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Su obra pictórica tiene tres etapas bien definidas: </div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Huacayñan: en 1948 empieza la primera gran serie pictórica o etapa. Es una palabra quechua que significa “El Camino del Llanto”. Es una serie de 103 cuadros pintados después de recorrer durante dos años toda Latinoamérica.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<b>La Edad de la Ira</b>: esta es la segunda gran serie pictórica o etapa que arranca en 1961, que consta de 250 cuadros. La temática fundamental de esta serie son las guerras y la violencia, lo que el hombre hace en contra del hombre. Un testimonio de este siglo oscuro y cruel para el pintor; quien para hacerla, visita Hiroshima, los campos de concentración en Europa, la Cuba revolucionaria de Fidel Castro y su propio país Ecuador, donde una dictadura militar estuvo a punto de terminar con su vida en 1963.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Mientras vivo siempre te recuerdo: es la tercera gran serie o etapa, también conocida como “La Edad de la Ternura”, es una serie que Guayasamín dedica a su madre y las madres del mundo, en los ochentas; y en cuyos cuadros podemos apreciar colores más vivos que reflejan el amor y la ternura entre madres e hijos, y la inocencia de los niños.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Es Guayasamín (según Federico Mayor Zaragoza, ex director de la UNESCO) el artista que mejor ha sabido reflejar el dolor humano.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Realizó unas 180 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en cuadros de caballete, murales, esculturas y monumentos.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
Toda su obra tiene un mensaje social, de denuncia; especialmente reflejan la pobreza, los sufrimientos de: indígenas, obreros, perseguidos políticos etc.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
En las series <b>“Las Manos”</b> de la <b>“La Edad de la Ira”</b> nos encontramos con gran realismo, la representación de muchos sentimientos; en cada una de ellas. Son sobrecogedoras, impactantes Es increíble como la posición de las manos y ciertos gestos en los rostros, nos trasmiten las diferentes actitudes del ser humano frente a las injusticias. Entre ellas podemos citar: Las Manos de la Protesta, Las Manos de la Esperanza, Las Manos del Perdón, Las Manos del Mendigo etc. Los colores que utilizó en esta serie son: negro, blanco y gris. El azul como fondo.</div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><img border="0" height="200" src="https://2.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8SmpqEsZI/AAAAAAAABmM/71ridy445PY/s320/Pinturas_Guayasamin.JPG" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" width="320" /></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b>Series de pinturas: Las Manos, Las Manos de la Protesta, Las Manos de la Esperanza, Las Manos del Perdon y Las Manos del Mendigo.</b></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/_xqXvWY5IUqc/TL8SmpqEsZI/AAAAAAAABmM/71ridy445PY/s1600/Pinturas_Guayasamin.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<div style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
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